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National Parkinson’s Day – The Dancing Brain: From Zebrafish to Parkinson’s Rehabilitation between Science, Movement, and Art

Di artonworldPubblicato il 28 Novembre 2025Pubblicato in:News, News Head 2025Taggato Art, Dancing Brain, Danio Rerio, Fondazione Limpe, internazionale, Limpe Foundation, Maria Ernesta Leone, medicina, National Parkinson’s Day, neurologist, Parkinson, Rehabilitation, Science, scienze, Vincenzo Tarantino, ZebrafishNon ci sono commenti

National Parkinson’s Day – The Dancing Brain: From Zebrafish to Parkinson’s Rehabilitation between Science, Movement, and Art By Maria Ernesta Leone, MD – Neurology Specialist Vincenzo Tarantino, ZebrafishThe artwork is for sale at €1500. All proceeds will be entirely donated to the Limpe Foundation.Click here for buy: https://www.paypal.com/ncp/payment/ZSS792NP9R6HU There are journeys that begin in neuroscience laboratories and seem to end — or perhaps begin again — within the body of those who face the challenge of Parkinson’s disease every day.This is not just a story about cells and genes: it is a tale of plasticity, learning, and, surprisingly, of art.Imagine a brain that dances — not any dance, but a movement made of electrical waves, of uncertain steps and small yet meaningful progress. A brain that, despite its difficulties, learns to reinvent itself.In this intertwining of science and humanity, a small tropical fish, the Danio Rerio — better known as the zebrafish — has taken on a leading role in the study of neurodegenerative diseases. Alongside it, in clinics and rehabilitation centers, innovative technologies such as Walker View and ProKin are changing the way we observe movement: a form of rehabilitation that observes, corrects, stimulates, and teaches the brain to reorganize itself.But what if neuroplasticity could truly dance? And what if art were not just decoration or pastime, but a powerful ally in healing?The zebrafish has become a key model for studying Parkinson’s disease thanks to its embryonic transparency, rapid development, and remarkable genetic similarity to humans. Wael Mohamed, a clinical neuroscientist and researcher, has played a major role in promoting this paradigm, exploring the genetic and translational implications of the zebrafish model. In his book Zebrafish as a Model for Parkinson’s Disease, he provides an insightful, up-to-date guide on how this tiny organism can bring us closer to understanding the brain mechanisms behind balance, tremors, and silence. Through the zebrafish model, research investigates genetic mutations, environmental toxins, and new neuroprotective molecules. But what is most striking is how this model allows researchers to observe, in vivo, the brain’s regenerative potential, suggesting that degeneration is not always an irreversible fate.Translating these findings into clinical practice means giving rehabilitation the tools to communicate directly with the central nervous system. Technologies such as Walker View and ProKin, already used in many centers, allow clinicians to measure and correct motor patterns in Parkinson’s patients. Slowed gait, flexed posture, instability — each biomechanical detail becomes a visual and tactile feedback, a stimulus that invites the brain to rewire itself.This is neuroplasticity in action — the nervous system’s ability to respond to training, rhythm, corrected error, and even surprise. Exactly what is observed in animal models: neural networks reorganizing, synapses adapting, movements re-emerging from new patterns.Such was the case, for instance, of a 68-year-old patient undergoing treatment for over ten years with good response to levodopa, MAO-B and COMT inhibitors. In recent months, she had developed a forward-flexed gait and reduced arm swing. After a combined cycle of Walker View training and proprioceptive exercises on the ProKin, a significant improvement was observed: posture realigned, no further signs of camptocormia, gait became smoother, and arm synchronicity reappeared in a functional way. Later, the patient also took part in guided art therapy sessions, which helped improve mood, motivation, and intentional movement — restoring vitality and expressiveness to her body.Recent studies show that engaging in artistic activities — drawing, dance, music, sculpture — activates brain circuits that overlap with those involved in voluntary movement. Art thus becomes a powerful ally in rehabilitation, enhancing intentionality, attention, and emotion: all key factors for neuroplasticity.For those living with Parkinson’s, creating a mark, a rhythm, or an aesthetic gesture means transforming automatism into expression. The body, guided by an image or emotion, learns to move not by reflex but by choice — strengthening the bond between mind and action, between intention and reality.In conclusion, if the laboratory provides the molecular maps of Parkinson’s and clinical practice offers the tools to correct motor circuits, art may represent the space where these paths meet and become lived experience. From this perspective, collaboration between researchers like Wael Mohamed and advanced rehabilitation centers could give rise to new studies — combining pre- and post-treatment evaluations with Walker View and ProKin and integrating art therapy sessions, to observe not only biomechanical changes but also the emotional and neuropsychological impact of care.It would not be only a matter of efficacy, but of humanizing the therapeutic journey.

The Art of Building Bridges: Pagliara’s New York Mission

Di artonworldPubblicato il 23 Novembre 2025Pubblicato in:News Head 2025Taggato Carnegie Hall Italy, Cultural Diplomacy Italy, Cultural Exchange Italy USA, Director Stefano Pagliara, Global cultural leadership, Interview Stefano Pagliara, Istituto Italiano di Cultura NY, Italian Arts New York, Italian Creative Arts, Italian creative identity, Italian Cultural Institute New York, Italian Culture in New York, Italian Diplomacy USA, Italian Heritage New York, Italian Music Promotion, Italy cultural events, Italy soft power, Italy US Relations, Tag più specifici per traffico internazionale, United in Sound America 250Non ci sono commenti

The Art of Building Bridges: Pagliara’s New York Mission by Carmelita Brunetti Director Pagliara, si e’ insediato da poco alla guida dell’Istituto Italiano di Cultura di New York: come vive questo nuovo e prestigioso incarico? Sono onorato che la scelta sia caduta su di me, e lo dico senza retorica. Essere stato selezionato tra tanti validi candidati mi obbliga a dimostrare di essere all’altezza di un incarico tanto prestigioso. Sin dal primo giorno ho messo la mia lunga esperienza di giornalista — che ha raccontato al grande pubblico televisivo alcune tra le aree del mondo più cruciali (Medio Oriente, Cina, Stati Uniti) — al servizio della diplomazia culturale del mio Paese. Ho mosso i primi passi come mia abitudine, mettendo tutto l’entusiasmo e l’energia di cui dispongo per la buona riuscita di questa missione. Lei ha una lunga esperienza come inviato in aree di conflitto. In che modo questo bagaglio professionale e umano influisce sulla sua visione e sul suo approccio al ruolo dirigenziale di una istituzione culturale? Ho una consapevolezza, frutto di conoscenza diretta, del ruolo “pacificatore” che svolge la cultura in tutte le sue forme. Quando è genuina, veicola valori universali, interpreta bisogni condivisi, crea ponti capaci di colmare fratture profonde. La cultura è anche conoscenza: un antidoto ai pregiudizi, al razzismo e all’odio, che si nutrono di ignoranza. New York è un crocevia globale di creatività scienza e innovazione. Come interpreta il panorama culturale e artistico della città e in che modo pensa di valorizzarlo per promuovere l’italianità attraverso i programmi e gli eventi dell’Istituto? L’Istituto opera in una metropoli che è ancora la capitale mondiale della cultura. Qui c’è tutto, e tutto al massimo livello. Questo ci impone di instaurare rapporti di collaborazione con le grandi istituzioni culturali di questa città. Una visione che ha già prodotto un primo, rilevante risultato: il prossimo anno, per la prima volta, cinque proposte musicali da noi promosse verranno inserite, nella sezione “Contributi di altri enti”, nel programma ufficiale del festival “United in Sound: America at 250” di Carnegie Hall. Per noi è una grande opportunità di promozione della musica italiana e, per l’Istituto, un’occasione senza precedenti per farsi conoscere da un pubblico molto più vasto di quello tradizionale. Come ci ricordava John Dewey, ogni vera esperienza apre la strada a nuove possibilità. Che la Sua guida a New York possa trasformare ogni incontro culturale in un ponte vivo tra i popoli, e che questo nuovo capitolo porti un successo duraturo alla voce dell’Italia nel mondo. Grazie Claudio Pagliara is the new Director of the Italian Cultural Institute in New York. Director Pagliara, you have recently taken the helm of the Italian Cultural Institute in New York. How are you experiencing this new and prestigious role? I am truly honored to have been chosen, and I say that without rhetoric. Being selected among so many strong candidates compels me to prove myself worthy of such a prestigious appointment. From day one, I have put my many years of experience as a journalist—bringing key areas of the world (the Middle East, China, the United States) to television audiences—at the service of my country’s cultural diplomacy. As always, I have taken my first steps with enthusiasm and all the energy I have, to ensure the success of this mission. You have extensive experience as a correspondent in conflict zones. How does that professional and human background influence your vision and your leadership approach within a cultural institution? I have a deep awareness—shaped by firsthand experience—of the “peace-building” role that culture plays in all its forms. When it is genuine, it conveys universal values, responds to shared human needs, and builds bridges capable of healing deep divides. Culture is also knowledge: an antidote to prejudice, racism, and hatred, all of which feed on ignorance. New York is a global crossroads of creativity, science, and innovation. How do you interpret the city’s cultural and artistic landscape, and how do you plan to enhance it to promote Italian culture through the Institute’s programs and events? The Institute operates in a metropolis that remains the world’s cultural capital. Everything is here, and everything is at the highest level. This requires us to build partnerships with this city’s major cultural institutions. A vision that has already produced an important result: next year, for the first time, five musical projects promoted by us will be included—under the “Contributions from Other Organizations” section—in the official program of Carnegie Hall’s “United in Sound: America at 250” festival. For us, it is a remarkable opportunity to promote Italian music and, for the Institute, an unprecedented chance to reach a much broader audience than ever before. As John Dewey reminded us, every true experience opens the way to new possibilities. May your leadership in New York transform every cultural encounter into a living bridge between peoples, and may this new chapter bring lasting success to Italy’s voice in the world. Thank you.

Scaringella. L’anima della materia

Di artonworldPubblicato il 8 Novembre 2025Pubblicato in:News Head 2025Taggato intervista, Museo Carlo Bilotti, ScaringellaNon ci sono commenti

Scaringella. L’anima della materia Mostra personale al Museo Carlo Bilotti, Roma – dal 7 novembre 2025Intervista a cura di Carmela Brunetti per ArtonWorld.com Nel cuore di Villa Borghese, il Museo Carlo Bilotti accoglie la nuova mostra personale della scultrice Scaringella artista capace di trasformare il marmo in una vibrazione di luce e grazia. Le sue opere, spesso composte da piccole sculture che si uniscono in installazioni di sorprendente equilibrio, rivelano un linguaggio intimo e contemporaneo, dove la materia diventa preghiera e la forma si fa respiro.Stabilitasi a Carrara, Scaringella ha scelto di lavorare a contatto con la pietra più nobile e luminosa, trasformandola in simbolo di rinascita spirituale e sostenibilità. Le sue creazioni raccontano l’armonia tra forza e leggerezza, tra il gesto umano e l’energia della natura, fondendo principi orientali e tradizione scultorea italiana in una visione profondamente personale. D. Le sue opere colpiscono per la delicatezza dei dettagli e per la capacità di fondersi in grandi installazioni dal forte impatto visivo. Come nasce questa idea di unire piccoli frammenti per creare un’opera totale? R.Amo pensare che ogni piccola scultura sia un frammento di un racconto più ampio, come una parola all’interno di un poema. Il gesto di unire, di comporre, è per me un atto meditativo e simbolico: rappresenta la connessione tra le parti, tra gli esseri umani e la natura, tra la materia e lo spirito. Ogni frammento conserva la propria identità, ma solo insieme trova il suo significato completo. D. Lei ha scelto Carrara come città dove vivere e lavorare. Cosa rappresenta per lei il marmo di Carrara? R.Carrara è un luogo sacro per chi ama la scultura. Il marmo che nasce da quelle montagne ha una luce interiore, una memoria antica che mi parla ogni volta che scolpisco. Lavorare qui significa entrare in dialogo con la materia, ascoltarne i ritmi e rispettarne i tempi. È anche un modo per radicarmi in una tradizione millenaria, ma con uno sguardo contemporaneo, aperto alla sperimentazione. D. Nei suoi lavori emerge una forte attenzione ai valori della sostenibilità. In che modo questo principio entra nel suo processo creativo? R.La sostenibilità per me non è solo un tema etico, ma un modo di vivere e creare. Utilizzo spesso frammenti di marmo recuperati, scarti di lavorazione che trasformo in nuove forme. È un gesto di rispetto verso la materia e verso la natura che ce la offre. Credo che l’arte debba insegnare anche questo: la possibilità di rigenerare, di dare nuova vita a ciò che sembra perduto. D. Lei parla spesso di spiritualità e di principi orientali come fonte d’ispirazione. In che modo questi valori influenzano la sua ricerca artistica? R.Mi ispiro alla filosofia zen e al concetto di equilibrio interiore. Nella scultura, come nella vita, cerco la semplicità e la purezza del gesto. Ogni segno, ogni levigatura, ogni vuoto ha un senso preciso. La spiritualità per me è la capacità di ascoltare il silenzio della materia, di trasformarlo in forma, e di restituire al pubblico un’emozione autentica, una pausa di consapevolezza nel ritmo frenetico del presente. Titolo mostraDeus sive naturaOpere di Silvia ScaringellaA cura di Maila BuglioniAperta fino al 25 gennaio 202

Joas Nebe – Art Basel Paris 2025: The Representation of Representation

Di artonworldPubblicato il 2 Novembre 2025Pubblicato in:News Head 2025Taggato Art Basel, Art Paris 2025, Joas NebeNon ci sono commenti

Joas Nebe – Art Basel Paris 2025: La rappresentazione della rappresentazione Nella grande sala del Grand Palais, la Goodman Gallery espone una grande fotografia a colori di un orso impagliato con gli occhiali proveniente dal Leibniz IZW, mentre Chantal Crousel presenta un’opera di Wolfgang Tillmans che raffigura la sala principale del Musée d’Orsay. Thomas Struth fotografa l’orso con gli occhiali dall’alto, creando a prima vista l’illusione di un orso vivo e addormentato. Solo a un esame più attento lo sfondo neutro diventa sconcertante. Un’occhiata al titolo rivela che si tratta effettivamente di un oggetto esposto in un museo di storia naturale (Goodman Gallery (NY), Thomas Struth, Spectacled Bear, Leibniz IZW, 2018, Fotografia). Allo stesso modo, Wolfgang Tillmans presenta lo stato finale, da museo, di sculture del XIX secolo che un tempo erano esposte all’aperto e che ora hanno trovato posto al Musée d’Orsay a causa dei cambiamenti nel paesaggio parigino. (Chantal Crousel Gallery, Parigi, Wolfgang Tillmans, Overview (Musée d’Orsay), 1986, Fotografia) Anche Giulio Paolini fa un passo indietro, come Tillmans. Eleva la leggenda di Giove e Antiope, la bellissima figlia del dio fluviale Asopo, sedotta da Giove, a un nuovo livello, narrando la storia non come una favola pittorica, ma come una ricostruzione della tradizione narrativa che si è sviluppata attorno a questa favola. Il vetro della cornice scivola fuori dalla cornice. La riproduzione del dipinto è frammentata, e sopra di essa incombe la bellezza barocca e opulenta di Antiope come un ritaglio. (Alfonso Artiaco, Napoli, Italia, Giulio Paolini: Giove e Antiope, 2016-2021) Anche Gala Porras-Kim si confronta con la realtà a un metalivello. Come le altre opere descritte, Porras-Kim ricrea le collezioni fotografiche del Carnegie Museum come disegni a grafite di grandi dimensioni. Copia con precisione le singole fotografie allineate nel museo, caricando così di soggettività l’autenticità della rappresentazione fotografica. Le immagini fotografiche raffigurano un camion di profilo, davanti al quale posa il suo orgoglioso proprietario, centralinisti al lavoro e giocatori di baseball sul campo visti dall’alto. Questa immagine nell’immagine è arricchita dalla disposizione e dall’allineamento delle fotografie, che le collocano in un contesto storico. Questo deve essere visto come un risultato dei curatori della mostra, mentre la selezione dell’estratto delle fotografie rappresenta un risultato quasi curatoriale dell’artista stessa. Quindi, come le altre opere menzionate, si tratta di un’interpretazione dell’interpretazione in questione. (Commonwealth and Council (Los Angeles, USA), Gala Porras-Kim: 147 Photographs at Carnegie Museum, disegno a grafite)Infine, un altro esempio di meta-interpretazione è presentato dal duo di artisti Gilda Mantilla e Raimond Chaves con la loro opera “Dibujando America” presso ProjecteSD (Barcellona). I due artisti hanno consultato gli archivi dell’America Latina, all’interno della regione amazzonica, e hanno creato copie di artefatti visivi. Hanno anche scelto immagini da giornali e, analogamente agli artefatti visivi, ne hanno copiato solo alcune parti e le hanno appese una accanto all’altra come stampe a carboncino su fogli A4. Come Porras-Kim, questa giustapposizione di diverse rappresentazioni crea un nuovo livello interpretativo accanto alla rappresentazione stessa. Inoltre, gli artisti intervengono sul materiale visivo selezionando alcune parti e omettendone altre. Il risultato sono frammenti di immagini che acquisiscono una propria qualità e, ancor più delle opere di Porras-Kim, si staccano dal loro contesto museale o, in questo caso, archivistico. In questo modo, Art Basel Paris sottolinea il cambiamento di percezione all’interno delle nostre società, che, a causa dell’uso diffuso dei social media come mezzo di comunicazione interpersonale, altera la percezione stessa della realtà. Questo sviluppo riceverà ulteriore impulso dall’ampia accettazione sociale dell’IA e dal suo utilizzo diffuso in futuro, lasciando da vedere come gli artisti affronteranno la scomparsa del reale in futuro.Crediti:Art Basel Paris/ Joas NebeGalleria Goodman/Joas NebeChantal Crousel/Joas NebeAlfonso Artiaco/Joas NebeCommonwealth e Consiglio/Joas NebeProjecteSD/Joas Nebe In the grand hall of the Grand Palais, Goodman Gallery presents a large color photograph of a stuffed spectacled bear from the Leibniz IZW, while Chantal Crousel exhibits a work by Wolfgang Tillmans depicting the main hall of the Musée d’Orsay. Thomas Struth photographs the spectacled bear from above, creating at first glance the illusion of a living, sleeping animal. Only upon closer inspection does the neutral background become unsettling. A glance at the title reveals that it is, in fact, an exhibit in a natural history museum (Goodman Gallery (NY), Thomas Struth, Spectacled Bear, Leibniz IZW, 2018, photograph). Similarly, Wolfgang Tillmans presents the final, museum-state of 19th-century sculptures that were once displayed outdoors and have now found their place in the Musée d’Orsay due to changes in the Parisian landscape (Chantal Crousel Gallery, Paris, Wolfgang Tillmans, Overview (Musée d’Orsay), 1986, photograph). Giulio Paolini, like Tillmans, takes a step back. He elevates the legend of Jupiter and Antiope — the beautiful daughter of the river god Asopus, seduced by Jupiter — to a new level by narrating the story not as a pictorial fable but as a reconstruction of the narrative tradition that developed around it. The glass of the frame slips out of its borders. The reproduction of the painting is fragmented, while the baroque and opulent beauty of Antiope looms above it like a cut-out. (Alfonso Artiaco, Naples, Italy, Giulio Paolini: Jupiter and Antiope, 2016–2021). Gala Porras-Kim also confronts reality on a meta-level. Like the other works described, Porras-Kim recreates photographic collections from the Carnegie Museum as large-scale graphite drawings. She precisely copies individual photographs aligned in the museum, thus charging the photographic authenticity of representation with subjectivity. The photographic images depict a side view of a truck with its proud owner posing in front of it, telephone operators at work, and baseball players seen from above. This image-within-an-image is enriched by the arrangement and alignment of the photographs, which place them in a historical context — the result of the exhibition curators’ work — while the artist’s selection of photographic excerpts becomes a curatorial act of her own. Thus, as with the other works mentioned, it is an interpretation of an interpretation. (Commonwealth and Council, Los Angeles, USA, Gala Porras-Kim: 147 Photographs at Carnegie Museum, graphite drawing). Finally, another example of meta-interpretation is presented by the

Joas Nebe – Art Basel Parigi 2025

Di artonworldPubblicato il 2 Novembre 2025Pubblicato in:News Head 2025Taggato Art Basel 2025, Joas Nebe, Photo Art BaselNon ci sono commenti

Joas Nebe – Art Basel Parigi 2025 La Stevenson Gallery (Città del Capo, Johannesburg, Amsterdam) ha esposto artisti sudafricani nel suo stand, invitandoli a creare nuove opere in risposta a opere precedenti, realizzate principalmente negli anni Novanta. Jane Alexander ha risposto a un’opera precedente raffigurante un gruppo di animali e umani con una stampa a pigmenti su cotone, raffigurante un paesaggio urbano abitato da animali. L’unica influenza umana appariva nel bordo dell’aiuola in secondo piano, dove un uccello si ergeva dietro una testa di animale che occupava il primo piano a sinistra. Per il resto, ogni influenza umana era assente. (Jane Alexander: Vredehoek, 2024) Ventiquattro anni prima, era stato creato un gruppo di figure, composto da una scimmia che camminava a grandi passi e tirava un coniglio con un maglione su un carretto per bambini. La scimmia si avvicinava a una figura femminile che indossava una maschera da gatto. (Jane Alexander: Street Cadets with Harbringer: Wish, Walk/Loop, Long, 2000). Nella sezione Emergence, la galleria parigina exo exo ha presentato le opere di Ash Love, artista nata nel 1996. Exo exo era nata da una galleria di produzione ed era sul mercato da circa cinque anni. Bebé Boum (2025) ha esaminato i rituali della festa nella nostra società occidentale. L’artista ha stampato istantanee delle sue feste di compleanno su un mazzo di palloncini, trasformando il simbolo delle occasioni festive in un ricordo di esperienze personali. Gli oggetti quotidiani della festa si sono fusi con ricordi d’infanzia (una visita a una fiera dove si compravano uno o due palloncini insieme allo zucchero filato).Christian Berst di Art Brut (Parigi), una galleria dedicata all’arte outsider, ha presentato una mostra personale con opere dell’artista tedesca Julia Krause-Harder, autistica. Le persone autistiche spesso possedevano capacità particolarmente sviluppate e l’attenzione di Krause-Harder era rivolta alla storia naturale della preistoria. Grazie a innumerevoli visite a musei di storia naturale come il Senckenberg Research Institute e il Naturmuseum Frankfurt, ha accumulato un’immensa conoscenza sulla moltitudine di specie di dinosauri. Il suo progetto artistico mirava a dare vita, nel corso degli anni, a ben 800 specie di dinosauri conosciute attraverso assemblaggi realizzati con oggetti di uso quotidiano. Le figure che Berst ha esposto ad Art Basel consistevano in vari oggetti trovati che Krause-Harder ha assemblato in scheletri di dinosauro. Gli occhiali da sole sono diventati vertebre, le pipette si sono trasformate in denti nel cranio del dinosauro. Uno pterosauro era adornato con un cappotto di lana lavorato a maglia, che volteggiava sopra le sue controparti a quattro zampe nello stand di Berst. Krause-Harder ha sottolineato la temporalità della rappresentazione dei dinosauri attraverso l’uso di oggetti di uso quotidiano, mettendo in discussione le affermazioni universali della scienza stessa. Analogamente a exo exo, Petrine (Parigi) ha presentato le opere di Sophie Kovel nella sezione Emergence con una presentazione personale intitolata “Donazioni e patrimoni”. Kovel ha esplorato l’eredità della miliardaria statunitense Marjorie Merriweather Post, ex proprietaria di General Foods e collezionista d’arte. Con un patrimonio stimato di 250 milioni di dollari, era una delle donne più ricche degli Stati Uniti. Marjorie Merriweather Post morì nel 1973 e il suo patrimonio, che comprendeva porcellane pregiate, preziosi oggetti d’antiquariato e gioielli costosi come gli orecchini di Maria Antonietta, era ora conservato in un museo privato. Pezzi storici come gli orecchini di Maria Antonietta si trovavano allo Smithsonian Institute di Washington. Marjorie Merriweather Post ha acquisito una rilevanza inaspettata grazie a Donald Trump, in quanto fu lei a costruire la sua tenuta di Mar-a-Lago. La presentazione includeva una fotografia in bianco e nero degli orecchini di Maria Antonietta, scattata da Kovel allo Smithsonian, che la stessa Kovel aveva messo a confronto con i gioielli di moda acquistati nel negozio del museo. Un’altra foto raffigurava una tavola apparecchiata con porcellane di Sèvres. A prima vista, si sarebbe potuto pensare a una fotografia pubblicitaria, dato l’uso della fotografia a colori da parte di Kovel. Tuttavia, uno sguardo più attento rivelava il cordoncino di protezione visibile nella parte inferiore della foto, a indicare che si trattava di un’esposizione in un contesto museale. Pertanto, le fotografie rappresentavano l’interpretazione di un’interpretazione, poiché ritraevano reperti in un contesto museale, che a sua volta rappresentava un’interpretazione di una possibile situazione di cena al Post’s. L’estratto fotografico e la fotografia a colori reinterpretavano questi reperti. Attraverso questo processo di interpretazione dell’interpretazione, la miliardaria appariva sempre più distante e vulnerabile. Il riferimento diretto e le sue opinioni potenzialmente conservatrici erano oscurati dal carattere museale dei suoi beni, rendendo l’interpretazione sempre più impegnativa. Crediti fotografici:Art Basel/ Joas NebePetrine/Joas NebeChristian Berst art brut/Joas NebeExo exo/Joas NebeStevenson/Joas Nebe https://joasnebe.art @joas.nebe The Stevenson Gallery (Cape Town, Johannesburg, Amsterdam) exhibited South African artists in its booth, inviting them to create new works in response to previous ones, mainly produced in the 1990s. Jane Alexander responded to an earlier piece depicting a group of animals and humans with a pigment print on cotton showing an urban landscape inhabited by animals. The only human influence appeared along the edge of the flower bed in the background, where a bird stood behind an animal’s head occupying the foreground on the left. Apart from that, every trace of humanity was absent. (Jane Alexander: Vredehoek, 2024). Twenty-four years earlier, she had created a group of figures consisting of a long-striding monkey pulling a rabbit wearing a sweater in a baby cart. The monkey approached a female figure wearing a cat mask. (Jane Alexander: Street Cadets with Harbringer: Wish, Walk/Loop, Long, 2000). In the Emergence section, the Parisian gallery exo exo presented the works of Ash Love, an artist born in 1996. Exo exo had evolved from a production gallery and had been on the market for about five years. Bebé Boum (2025) examined the rituals of partying in Western society. The artist printed snapshots of her birthday parties on a bunch of balloons, turning the symbol of festive occasions into a record of personal experiences. Everyday party objects merged with childhood memories (a visit to a fair where one would buy one or two

AI WEIWEI’S TURANDOT: The Chinese artist’s operatic debut premieres (in preview) at the Festival dei Popoli

Di artonworldPubblicato il 16 Ottobre 2025Pubblicato in:News Head 2025Taggato AiWeiwei, Anteprima, ArteCinese, ArteContemporanea, ArteEpolitica, Attivismo, Cinema, CinemaDocumentario, Cultura, DirittiUmani, Documentario, FestivalDeiPopoli, FestivalDeiPopoli2025, FilmFestival, Firenze, LibertàDiEspressione, MaximDerevianko, OperaDiRoma, Puccini, TurandotNon ci sono commenti

AI WEIWEI’S TURANDOT: The Chinese artist’s operatic debut premieres (in preview) at the Festival dei Popoli by Carmelita Brunetti Il potente documentario diretto da Maxim Derevianko sarà presentato in anteprima nazionale alla 66ª edizione del Festival dei Popoli, in programma a Firenze dall’1 al 9 novembre 2025. Il documentario “AI WEIWEI’S TURANDOT”, arriva in anteprima nazionale come evento speciale alla 66ª edizione del Festival dei Popoli, il più importante festival internazionale dedicato al cinema documentario in Italia e il più antico d’Europa.La proiezione è in programma martedì 4 novembre 2025 nella sezione Doc Highlights, alla presenza del regista Maxim Derevianko, della produttrice italiana Marta Zaccaron e della produttrice americana Christine La Monte. L’arte in questo docufilm viene presentato come come atto politico e umano.Il film segue Ai Weiwei, artista e attivista di fama mondiale, durante la sua prima regia operistica per la Turandot di Puccini al Teatro dell’Opera di Roma. Il documentario trasforma il capolavoro pucciniano in una piattaforma artistica e politica, esplorando i temi universali della libertà, della resistenza e della verità attraverso lo sguardo di un artista che ha sempre usato l’arte come forma di denuncia. Attraverso immagini inedite e riflessioni intime, “AI WEIWEI’S TURANDOT” diventa un viaggio tra arte, attivismo e memoria collettiva, offrendo una profonda riflessione sul ruolo dell’arte nei momenti di crisi globale. Un dialogo tra culture e libertà Girato tra il 2020 e il 2022, durante la pandemia da Covid-19, il film si interroga su domande fondamentali:“Che cos’è l’arte? E perché ne abbiamo bisogno?”La coreografa Chiang Ching, collaboratrice di lunga data di Ai Weiwei, descrive Turandot come uno specchio della vita stessa dell’artista: una storia di resistenza, identità e ricerca della verità.In questo intreccio, l’opera lirica diventa strumento di libertà e riflessione sociale. La visione di Maxim Derevianko Per il regista Maxim Derevianko, il documentario è anche un progetto personale. Figlio del celebre ballerino russo Vladimir Derevianko, dissidente del Bolshoi costretto a fuggire dalla Russia nel 1982, il regista riconosce nella storia di Ai Weiwei una vicinanza profonda.«Conoscevo Ai Weiwei come un simbolo della libertà di parola», afferma Derevianko. «Mio padre ha combattuto per la libertà artistica, e attraverso il suo esempio ho imparato che Everything is art. Everything is politics.» Con “AI WEIWEI’S TURANDOT”, Derevianko realizza un tributo al potere dell’arte come forma di libertà e amore universale, ricordando che gli artisti sono combattenti e attivisti al servizio della verità.Arte come terapia, come cua per affrontare e risolvere problemi psicologici, o malattie terminali. Produzione e crediti “AI WEIWEI’S TURANDOT” è una produzione Incipit Film e La Monte Productions, in associazione con AC Films, White Feathers Films e Homemade Entertainment LLC.Il progetto ha ricevuto il sostegno di Fondo Audiovisivo FVG, Io Sono Friuli Venezia Giulia, Direzione Generale Cinema e Audiovisivo, e la collaborazione del Teatro dell’Opera di Roma. The powerful documentary directed by Maxim Derevianko will have its Italian premiere at the 66th edition of the Festival dei Popoli, scheduled to take place in Florence from November 1 to 9, 2025.The film, “AI WEIWEI’S TURANDOT”, arrives as a special event at the 66th edition of the Festival dei Popoli — Italy’s most important international documentary film festival and the oldest in Europe.The screening is set for Tuesday, November 4, 2025, within the Doc Highlights section, in the presence of director Maxim Derevianko, Italian producer Marta Zaccaron, and American producer Christine La Monte. Art as a political and human act The documentary follows world-renowned artist and activist Ai Weiwei during his first operatic direction — Puccini’s Turandot at the Teatro dell’Opera di Roma.The film transforms Puccini’s masterpiece into both an artistic and political platform, exploring universal themes of freedom, resistance, and truth through the gaze of an artist who has always used art as a form of protest. Through unreleased footage and intimate reflections, “AI WEIWEI’S TURANDOT” becomes a journey across art, activism, and collective memory, offering a profound meditation on the role of art in times of global crisis. A dialogue between cultures and freedom Filmed between 2020 and 2022, during the Covid-19 pandemic, the film raises fundamental questions: “What is art? And why do we need it?” Choreographer Chiang Ching, Ai Weiwei’s longtime collaborator, describes Turandot as a mirror of the artist’s own life — a story of resistance, identity, and the pursuit of truth.Within this narrative, opera becomes a tool for freedom and social reflection. The vision of Maxim Derevianko For director Maxim Derevianko, the documentary is also a deeply personal project.The son of Vladimir Derevianko, the celebrated Russian dancer and Bolshoi dissident forced to flee Russia in 1982, Maxim finds a profound kinship with Ai Weiwei’s story. “I knew Ai Weiwei as a symbol of freedom of speech,” says Derevianko.“My father fought for artistic freedom, and through his example I learned that Everything is art. Everything is politics.” With “AI WEIWEI’S TURANDOT”, Derevianko pays tribute to the power of art as a form of freedom and universal love, reminding us that artists are fighters and activists in service of truth.Art as therapy — as a cure for confronting and healing psychological wounds or even terminal illness. Production and credits “AI WEIWEI’S TURANDOT” is a production by Incipit Film and La Monte Productions, in association with AC Films, White Feathers Films, and Homemade Entertainment LLC.The project was supported by Fondo Audiovisivo FVG, Io Sono Friuli Venezia Giulia, and the Direzione Generale Cinema e Audiovisivo, in collaboration with the Teatro dell’Opera di Roma.

Paul Gauguin – The Noa Noa Diary and Other Adventures. The Exhibition in Rome

Di artonworldPubblicato il 8 Settembre 2025Pubblicato in:News Head 2025Taggato Ancien Culte Mahorie, Leica Camera Italia, Luigi Chiurchi, Museo Storico della Fanteria, NOA NOA e altre avventure, Paul Gauguin, Pietro IencaNon ci sono commenti

Paul Gauguin – The Noa Noa Diary and Other Adventures. The Exhibition in Rome By Carmelita Brunetti L’esposizione romana dedicata alle opere di Paul Gauguin affascina molto il visitatore perché lo proietta subito nell’universo creativo e sociale dell’artista francese che decise di vivere la cultura polinesiana con passione realizzando negli ultimi suoi 10 anni di vita molte opere inedite provenienti da collezioni private e visibili n mostra. Sono godibili 165 opere fra litografie a colori della serie Ancien Culte Mahorie ( 1892) e le due sculture datate 1893, le xilografie e alcuni dipinti. Questo percorso espositivo ricostruisce i viaggi del celebre artista francese, raccontati nelle pagine del suo diario di “NOA NOA e altre avventure”, datato 1893, il diario si può ammirare nella sala dedicata alla raccolta dei suoi volumi. Incuriosisce la sala dedicata alla mostra fotografica “Le isole di Tahiti, l’anima primordiale”, realizzata da Tahiti Tourisme in collaborazione con Leica Camera Italia, le opere fotografiche e video sono di Luigi Chiurchi e Pietro Ienca. Nell’insieme la rassegna si presenta molto interessante e soprattutto ben allestita con opere xilografiche di buona qualità e belle come la parete dedicata ai felini e altri animali, o le figure sensuali di coppie di giovani innamorati, molto belli sono anche alcuni dipinti con sfondo paesaggistico. La sede espositiva e’ accogliente, si tratta del Museo Storico della Fanteria, a pochi passi dalla Basilica di Santa Croce in Gerusalemme. English version By Carmelita Brunetti The Roman exhibition dedicated to the works of Paul Gauguin greatly fascinates visitors because it immediately immerses them in the creative and social universe of the French artist, who chose to embrace Polynesian culture with passion, producing in the last ten years of his life many previously unseen works from private collections, now on display. A total of 165 works can be enjoyed, including color lithographs from the Ancien Culte Mahorie series (1892), two sculptures dated 1893, woodcuts, and several paintings. This exhibition path retraces the journeys of the celebrated French artist, as narrated in the pages of his diary Noa Noa and Other Adventures (1893), which is also on view in the room dedicated to his collected volumes. Particularly intriguing is the section devoted to the photographic exhibition The Islands of Tahiti, the Primordial Soul, organized by Tahiti Tourisme in collaboration with Leica Camera Italia, featuring photographs and videos by Luigi Chiurchi and Pietro Ienca. Overall, the exhibition proves to be very engaging and especially well curated, with high-quality woodcuts such as the wall dedicated to felines and other animals, the sensual figures of young couples in love, as well as some beautiful landscape-based paintings. The venue itself is welcoming: the Historical Museum of Infantry, just a few steps away from the Basilica of Santa Croce in Gerusalemme.

ANTONIO D’AGOSTINO – FLUXUS IMAGES

Di artonworldPubblicato il 23 Agosto 2025Pubblicato in:News Head 2025Taggato Antonio D'Agostino, Charlotte Moorman, Fellini Museum, Fluxus, Geoffrey Hendricks, George Maciunas, Nam June Paik, Takako Saito, Yoko OnoNon ci sono commenti

ANTONIO D’AGOSTINO – FLUXUS IMAGES by Francesca Manari Con l’obiettivo di superare i confini tra arte e realtà quotidiana, negli anni 50 viene creato un movimento artistico conosciuto come “Fluxus”. L’autore, George Maciunas, mirava a un’arte internazionale, che fosse più accessible e democratica. Grande testimone di quest’onda sperimentale è stato il regista e produttore italiano Antonio D’Agostino, scomparso nel gennaio del 2025. È in suo onore che il palazzo del Fulgor, a Rimini, ospita una mostra interamente dedicata al suo prezioso lavoro d’archiviazione. Ad attendere lo spettatore sono circa quaranta fotografie in bianco e nero, accompagnate da simbolici video di quegli anni, da lui realizzate proprio durante i cosiddetti eventi Fluxus. In quel prezioso momento artistico, Antonio D’Agostino ha ricoperto un ruolo molto attivo nella documentazione di performance e happenings. Le sue immagini sono state definite come delle “poetiche fotografiche dell’istante”, capaci di restituire tutta l’identità Fluxus. Marina Abramovic assiste alla performance ‘Bag’ di Yoko Ono eseguita da Charlotte Moorman Evidenziamo che la mostra fa parte del programma di rilancio culturale del Palazzo del Fulgor, luogo simbolico collegato alla memoria di Federico Fellini, nonché parte integrante del Fellini museum. La curatrice della mostra, Carmelita Brunetti, in collaborazione con Marco Leonetti, responsabile del museo ed esperto di cinema, valorizzano abilmente l’intimità e la forza espressiva delle opere dell’artista. Il tutto aiutato da un ambiente immersivo che rispetta e celebra lo spirito sperimentale di D’Agostino. Ogni scatto, attentamente collocato nello spazio, permette allo spettatore di diventare parte integrante dell’evento artistico. Non a caso, l’eccellente abilità espressiva di D’Agostino, rende il suo archivio una vera e propria guida. Un modello a cui attingere per tuffarsi completamente in un significativo movimento d’avanguardia, artefice di successivi sviluppi artistici. Charlotte Moorman and Nam June Paik, photo by Anteprima D’agostino, 1974 With the aim of overcoming the boundaries between art and everyday reality, an artistic movement known as “Fluxus” was created in the 1950s. Its founder, George Maciunas, aimed to create an international art form that was more accessible and democratic. A great witness to this experimental wave was the Italian director and producer Antonio D’Agostino, who passed away in January 2025. It is in his honor that the Palazzo del Fulgor in Rimini is hosting an exhibition entirely dedicated to his valuable archival work. Awaiting visitors are around forty black and white photographs, accompanied by symbolic videos from those years, which he made during the so-called Fluxus events. During that precious artistic moment, Antonio D’Agostino played a very active role in documenting performances and happenings. His images have been defined as “photographic poetics of the moment,” capable of conveying the entire Fluxus identity. It’s worth noting that the exhibition is part of the cultural revival program of the Palazzo del Fulgor, a symbolic place linked to the memory of Federico Fellini, as well as an integral part of the Fellini museum. The curator of the exhibition, Carmelita Brunetti, in collaboration with Marco Leonetti, museum director and cinema expert, skillfully highlight the intimacy and expressive power of the artist’s works. All this is enhanced by an immersive environment that respects and celebrates D’Agostino’s experimental spirit Each shot, carefully placed in the space, allows the viewer to become an integral part of the artistic event. It is no coincidence that D’Agostino’s excellent expressive ability makes his archive a veritable guide. A model to draw on in order to immerse oneself completely in a significant avant-garde movement, the creator of subsequent artistic developments. 🎥 SAVE THE DATEANTONIO D’AGOSTINO. FLUXUS IMAGES📍 Palazzo del Fulgor, Rimini🗓 August 30 – September 30, 2025🎟 Opening: Saturday, August 30, 6:00 PM 📚 Curated by Carmelita Brunetti🎞 Exhibition design by Marco Leonetti🖋 Texts by Enrico Gusella, Marco Leonetti, Emiliano Zucchini, Carmelita Brunetti 📖 Catalogue published by ArtonWorld.com – Green Luxury Edition (print version available for purchase at the museum) 📌 The exhibition is part of the cultural program of the Fellini Museum, a symbolic place of Fellini’s imagination and a hub of contemporary art. Link to the catalogue 👇https://www.flipsnack.com/artonworld/antonio-d-agostino-immagini-fluxus-fotografie-degli-anni-70/full-view.html 📩 For info and press requests:info@artonworld.com | www.artonworld.com

ROMAN NATIONAL MUSEUM, THE REBIRTH OF ROMAN TRADITIONS

Di artonworldPubblicato il 20 Agosto 2025Pubblicato in:News Head 2025Taggato Alfonsina Russo, Crypta Balbi, Francesca Manari, Palazzo Venezia, Roman National Museum, Rome, Terme di DioclezianoNon ci sono commenti

ROMAN NATIONAL MUSEUM, THE REBIRTH OF ROMAN TRADITIONS by Francesca Manari Nel giugno 2025 nell’Aula X delle Terme di Diocleziano è esposto il nuovo programma di attività culturali del Museo Nazionale Romano. Le promotrici di questo ambizioso progetto mirano alla promozione del patrimonio culturale romano. Si tratta di Alfonsina Russo, direttrice del parco archeologico del Colosseo, ed Edith Gabrielli, capo del Vittoriano e Palazzo Venezia, unite verso la celebrazione delle tradizioni romane. La riqualificazione è indirizzata verso tutte e quattro le sedi dell’ MNR: Il palazzo Massimo, il palazzo Altemps, le Terme di Diocleziano, insieme al Museo dell’Arte Salvata e la Crypta Balbi. “Ho ritenuto importante creare un percorso di valorizzazione che prevedesse una serie di attività culturali finalizzate al raggiungimento di un pubblico più ampio e diversificato”. Così esordisce Alfonsina Russo durante la conferenza stampa. “Inclusività” è dunque la parola chiave del progetto. “Si vogliono rendere i cittadini romani partecipi” sottolinea a questo punto la direttrice del VIVE, “fino a farli diventare parte attiva nella vita del museo”. Il progetto sin dall’inizio mira a coinvolgere il pubblico, ottimizzare le risorse interne ma anche e soprattutto fare rete con gli altri istituti. È a tal proposito che Edith Gabrielli prende il microfono, portando all’attenzione del pubblico una serie di proposte: “La nostra visione prevede delle idee come: visite guidate, laboratori per bambini, ma soprattutto esperienze accessibili anche ad utenti con disabilità”. “Siamo inoltre intenzionati” prosegue “a proporre iniziative che vadano anche al di fuori delle nostre sedi, con il proposito costante di spingere la conoscenza del nostro patrimonio anche nel resto d’Italia, e perché no del mondo.”. A concludere la conferenza c’è la presentazione di un’ulteriore iniziativa: un nuovo sistema di bigliettazione. Il suddetto prevederà un biglietto unico per l’intero museo nazionale romano; “un insieme di agevolazioni che renderanno l’accessibilità più ambia e la partecipazione decisamente più attiva”. Siamo di fronte ad un progetto nel quale prendono parte numerosi altri esperti del settore, che legati da uno scopo condiviso, si impegnano ad onorare la ricchezza di un patrimonio che non può essere ignorata. ENGLISH VERSION In June 2025, the new cultural program of the National Roman Museum is on display in Hall X of the Terme di Diocleziano. The promoters of this ambitious project aim to promote Rome’s cultural heritage. They are Alfonsina Russo, director of the Colosseum archaeological park, and Edith Gabrielli, head of the Vittoriano and Palazzo Venezia, united in celebrating Roman traditions. The revitalization project involves all four MNR sites: Palazzo Massimo, Palazzo Altemps, the Baths of Diocletian, together with the Museum of Saved Art and the Crypta Balbi. “I felt it was important to create a program of promotion that included a series of cultural activities aimed at reaching a wider and more diverse audience.” This is how Alfonsina Russo begins her press conference. “Inclusivity” is therefore the keyword of the project. “We want to involve the citizens of Rome,” emphasizes the director of VIVE, “to the point where they become an active part of the museum’s life.” From the very beginning, the project has aimed to involve the public, optimize internal resources, but also and above all to network with other institutions. It is in this regard that Edith Gabrielli takes the microphone, bringing a series of proposals to the attention of the public: “Our vision includes ideas such as guided tours, workshops for children, but above all experiences that are also accessible to users with disabilities.” “We also intend,” she continues, “to propose initiatives that go beyond our premises, with the constant aim of promoting awareness of our heritage throughout the rest of Italy, and why not the world.” The conference concludes with the presentation of a further initiative: a new ticketing system. This will involve a single ticket for the entire Roman National Museum; “a set of benefits that will make accessibility wider and participation much more active.” We are looking at a project involving numerous other experts in the field, who, united by a shared goal, are committed to honoring the richness of a heritage that cannot be ignored.

Jaina Cipriano: Architectures of Intimacy

Di artonworldPubblicato il 19 Luglio 2025Pubblicato in:News Head 2025Taggato conceptual art, Francesco Casetti, Jaina Cipriano, photograph, Tina ModottiNon ci sono commenti

Jaina Cipriano: Architectures of Intimacy By Carmelita Brunetti Jaina Cipriano uses her camera the way a psychologist uses a notebook—quietly, attentively, capturing emotional fragments as they surface. Her work stems from a deep desire to explore and narrate the most intimate human feelings—those timeless, often unspoken emotions that shape our inner lives. Moving seamlessly between photography, film, and set design, Cipriano has developed a refined visual language that aligns closely with the principles of design—not just aesthetically, but conceptually, as a means to build emotional spaces. Her sets are not mere backgrounds—they are psychological environments, carefully constructed visual scenes where memory, fear, and desire converge. In this sense, her work echoes that of Tina Modotti, the legendary photographer who fused formal beauty with emotional depth, using the camera not to document, but to reveal. Like Modotti, Cipriano’s images are driven by a commitment to truth—emotional, relational, visual. American art historian Hal Foster has written extensively about how contemporary art creates space for subjective experience to emerge. Cipriano’s work embodies this idea: her images do not simply depict, they activate. Italian theorist Francesco Casetti might describe her visual compositions as “viewing environments,” where the audience is no longer a passive observer, but emotionally drawn into the scene, participating in the moment being constructed. What defines Jaina Cipriano’s art is its unique blend of emotional insight and formal clarity. Her photographs and films offer a visual language that lives between storytelling and meditation—a journey into the emotional architecture of contemporary life, shaped with authenticity, vision, and precision.