Marta Petrusewicz. Testimony of Marquis Roberto Bilotti Ruggi d’Aragona

Marta Petrusewicz. Testimony of Marquis Roberto Bilotti Ruggi d’Aragona La scomparsa di Marta Petrusewicz è un dolore personale e una grande perdita per il nostro territorio. Raffinata e appassionata intellettuale ha coniugato i suoi impegni universitari (Unical, Università di New York e Princeton) e politici attraverso la realizzazione di progetti dove cultura e sociale si fondono.Animata dall’amore dei luoghi che l’hanno accolta, ha promosso e valorizzato iniziative di grande impatto sociale e culturale diventando vero motore del Sistema di valorizzazione della regione. Marta Petrusewicz ha compreso il passato e immaginato il futuro per Rende antica con intuito, progettualità e spiccata visione internazionale. Storia, cultura, identità e coscienza civica, che lasciano al futuro la tessitura di un significativo passato, saldando quello che è stato e ciò che sarà, ripristinando la memoria sociale dei luoghi e il sentimento ad esse associato. Marta, Alfredo Pirri e Bilotti per le vetrate al castello Da assessora alla cultura con straordinaria visione e altrettanta determinata passione ha contribuito a sviluppare il progetto “Rende Borgo dei Musei” un programma di rigenerazione urbana, di rilancio turistico, economico e sociale diretto a invertire il processo di declino e di spopolamento. Il borgo di Rende con rinnovata identità di polo culturale, con la sua straordinaria rete di musei potrebbe costituire offerta per una giornata, favorendo lo sviluppo, anche con agevolazioni fiscali per commercianti, artigiani e artisti, creando indotto pe la rivitalizzazione con nuove attività commerciali – una immersione che rintraccia le coordinate visive di un dialogo che rispecchia intuito e sensibilità e dove prevale l’interpretazione della cultura come valore pubblico. Marta aveva pensato ad un intervento sistemico e concertato che coinvolgesse istituzioni, cittadini inconsapevoli del potenziale di ciò che hanno, risorse, infrastrutture e servizi, riattivazione degli esercizi commerciali, in un modulo integrato di valorizzazione e di promozione, sostenuto da un sistema di comunicazione, siti informativi e segnaletica. Aveva ipotizzato Rende come estensione del campus universitario. Residenzialità per gli studenti nel convento delle clarisse e i recuperati palazzi Basile e Martino alla Giudecca sedi di dipartimenti, corsi, residenze d’artista, start up e Kunsthalle, aggregazione e coesione da ritrovare nell’atmosfera delle antiche costruzioni. Ha sostenuto la donazione de’ Angelis delle vetrate di Alfredo Pirri sui torrioni del castello con sovrapposizioni di cerchi che diffondono la luce in un dialogo continuo tra lo spazio fisico e la memoria, e nuove opere dall’informale, espressionismo astratto, pop art, minimalismo fino all’arte concettuale e ambientale. Ha promosso la realizzazione del nuovo Museo della ceramica di Calabria nel palazzo Magdalone rifunzionalizzando gli spazi dismessi dal Ristorante Pantagruel. Una panoramica cronologica e geografica regionale documentata da reperti classici magno-greci e romani, alle testimonianze delle culture angioine e aragonesi, alla maiolica seicentesca da spezieria conventuale e da farmacia fino alle morfologie e decorazioni popolari.Una vita piena di valori che ha profuso e difeso con energia in ogni espressione del suo operato, un ricco tragitto poliedrico lungo, impegnativo e di rapporti umani aperti, attenti e partecipati. Nel suo buen retiro di Arcavacata con Franco, i gatti, l’orto, ho trovato accoglienza affettuosa e generosa, allegra e stimolante. Marchese Roberto Bilotti Ruggi d’Aragona Ariel Mafai in occasione donazioni opere Mario Mafai e Antonietta Raphael al Museo arte contemporanea nel castello Rende The passing of Marta Petrusewicz is both a personal sorrow and a great loss for our territory. A refined and passionate intellectual, she was able to combine her academic commitments (University of Calabria, New York University and Princeton University) with her political engagement through projects in which culture and social responsibility were deeply intertwined. Driven by a genuine love for the places that welcomed her, she promoted and enhanced initiatives of great social and cultural impact, becoming a true driving force behind the region’s system of cultural valorisation. Marta Petrusewicz understood the past and imagined the future of Rende Antica with intuition, planning capacity and a strong international vision. History, culture, identity and civic awareness were, for her, threads weaving a meaningful past into the future, reconnecting what has been with what will be, restoring the social memory of places and the emotions associated with them. As Councillor for Culture, with extraordinary vision and equal determination, she contributed to the development of the project “Rende Borgo dei Musei”, an urban regeneration programme aimed at cultural, tourist, economic and social revival, designed to counteract decline and depopulation. The village of Rende, with its renewed identity as a cultural hub and its extraordinary network of museums, could offer visitors a full day’s experience, fostering development through measures such as tax incentives for shopkeepers, artisans and artists, and generating economic spin-offs for revitalisation through new commercial activities. It was an immersive vision that traced the visual coordinates of a dialogue shaped by intuition and sensitivity, grounded in the idea of culture as a public value. Marta envisioned a systemic and coordinated intervention involving institutions, citizens often unaware of the potential surrounding them, resources, infrastructures and services, the reactivation of commercial activities, all within an integrated model of enhancement and promotion supported by communication systems, informational websites and signage. She imagined Rende as an extension of the university campus: student housing in the former Clarisse convent, the restored Basile and Martino palaces in the Giudecca as locations for departments, courses, artist residencies, start-ups and a Kunsthalle, spaces of aggregation and cohesion rediscovered within the atmosphere of historic architecture. She supported the De’ Angelis donation of Alfredo Pirri’s stained-glass installations on the castle towers, with overlapping circles diffusing light in a continuous dialogue between physical space and memory, alongside new works ranging from Informal art, Abstract Expressionism, Pop Art and Minimalism to Conceptual and Environmental art. She also promoted the creation of the new Museum of Calabrian Ceramics in Palazzo Magdalone, repurposing the spaces formerly occupied by the Pantagruel restaurant. The museum offers a regional chronological and geographical overview, documented through artefacts ranging from Magna Graecia and Roman finds to Angevin and Aragonese cultures, from seventeenth-century conventual and pharmaceutical maiolica to popular forms and decorations. It was a life rich in values, which she shared

Cleopatra VII: The Alchemy of Death and the Ritual of Divine Rebirth

Cleopatra VII: The Alchemy of Death and the Ritual of Divine Rebirth By Researcher: Mohamed Hassan © 2026All Copyrights Reserved to the Researcher: Mohamed Hassan The Departure of a Queen, the Ascent of a Goddess History has often viewed the demise of Cleopatra VII through a Greco-Roman lens—a tragic end of a defeated monarch. However, when we reinterpret this moment through the prism of Ancient Egyptian theology and artistic symbolism, a different narrative emerges. Cleopatra’s transition was not a surrender; it was a “Sovereign Ritual” of immortality. The Contrast of Traditions While Marc Antony succumbed to the Roman military tradition of Dignitas via the sword, Cleopatra chose the “Uraeus” (the Royal Cobra). In the iconographical world of Ancient Egypt, the cobra was not a vessel of death, but the “Eye of Ra” and the protector of sovereignty. By choosing the serpent, Cleopatra ensured the preservation of her physical form—a necessity for the “Akh” (the transfigured spirit) to achieve eternal life. Awaiting the Miracle: The New Isis A pivotal point in my research is the concept of “The Final Miracle.” Cleopatra, who identified as the Nea Isis (The New Isis), was deeply versed in the myth of Isis healing Horus from venom. Her act was a supreme test of faith. She utilized the sacred venom as a “Divine Key,” challenging the heavens to either grant a miraculous earthly restoration or an immediate celestial ascension. The Artistic and Cultural Legacy As we examine this through the lens of art history, we see that the miracle was indeed realized. Cleopatra’s death did not lead to oblivion. Instead, it birthed a global icon that conquered Rome culturally and artistically. Her imagery as the “Divine Mother” influenced art for millennia, proving that her “Rite of Passage” was a resounding success. Conclusion Cleopatra’s final act was her greatest masterpiece. She transformed her death into a symbolic bridge between the mortal and the divine, ensuring that her name would never be erased by the tides of time. Part 3: References & Documentation Intellectual Property & Documentation Rights: Prepared and Documented by: Researcher Mohamed Hasan © 2026 All Copyrights Reserved to the Researcher: Mohamed Hasan

Farewell to Marian, Founder of the Marian Goodman Gallery: A Life Devoted to Art and Freedom of Expression

Farewell to Marian, Founder of the Marian Goodman Gallery: A Life Devoted to Art and Freedom of Expression by Carmelita Brunetti The passing of Marian, founder of the Marian Goodman Gallery, at the age of 97, marks the end of a defining chapter in the history of international contemporary art. With her departure, the art world loses not only an enlightened gallerist, but a visionary figure who transformed the exhibition space into a place of thought, courage, and cultural responsibility. For decades, Marian embodied the idea of the gallery as an ethical stronghold before a commercial one: a space where art could take a stand, speak to the present, question society, and give voice to artists capable of interpreting the world with clarity and depth. Under her leadership, the Marian Goodman Gallery became a global point of reference, recognized for the rigor of its curatorial choices and for its constant attention to themes of justice, identity, and memory. Her long-term vision, quiet determination, and unwavering belief in the transformative power of art accompanied generations of artists and audiences alike, leaving a legacy that extends far beyond geographic or temporal boundaries. Marian demonstrated that art can—and must—be a tool for awareness, capable of engaging with reality without sacrificing poetic complexity. In this moment of profound loss, ArtonWorld wishes to pay tribute to her legacy by announcing that in our upcoming issue we will present a remarkable exhibition realized by the Marian Goodman Gallery. This powerful exhibition project once again reflects the strength and cultural vision of the institution Mariam founded, fully aligned with her philosophy: art that is alive, necessary, and deeply contemporary. To present this exhibition is, for us, a way of continuing the dialogue Marian opened with the world—a dialogue made of images, ideas, and responsibility. Her legacy lives on in the works, in the artists she supported, and in the institutions that, like the Marian Goodman Gallery will continue to carry her vision forward with integrity and passion. To Marian, we extend our deepest and most heartfelt farewell. To her legacy, our commitment to preserve it and to continue telling its story.

“Il sole a scacchi: sistema, pena e disattese. Brigante in Calabria”. Nuovo libro pubblicato da ArtonWorld

“Il sole a scacchi: sistema, pena e disattese. Brigante in Calabria”. Nuovo libro pubblicato da ArtonWorld ArtonWorld annuncia la pubblicazione del libro *Il sole a scacchi: sistema, pena e disattese. Brigante in Calabria*, scritto da Lucia De Cicco, un’analisi critica sull’inefficacia della carcerazione per reati minori e sulle dinamiche del sistema carcerario, storico e contemporaneo. Il volume prende spunto dai casi storici calabresi riportati in Antichi delitti di Francesco Caravetta (Vol. III, 2021), focalizzandosi su Acciardi, brigante, e Groppa, considerato un serial killer. Una nota dell’esperto Caravetta accompagna il testo, offrendo approfondimenti sui fatti storici e sulle dinamiche criminali dei protagonisti. La loro esperienza carceraria evidenzia come la detenzione, priva di programmi di reinserimento, possa alimentare rabbia sociale e comportamenti violenti, anziché promuovere la rieducazione. Il libro affronta anche la dimensione più ampia del carcere come contenitore di soggettività marginali: immigrati, poveri, piccoli criminali, malati mentali e prostitute sono spesso le “vittime” di un sistema che, fin dai tempi della Rivoluzione Industriale, tende a marginalizzare chi non rientra nei modelli sociali dominanti. Particolare attenzione è dedicata al sistema carcerario statunitense, trasformato dagli anni ’80 in una vera e propria industria economica: la detenzione genera profitti per aziende private e colossi finanziari attraverso servizi, forniture e programmi di lavoro interni, rendendo il carcere un business redditizio che incentiva l’incremento delle detenzioni. Anche in Italia, la scarsità di misure alternative per minori, donne con figli e condanne brevi sottolinea la necessità urgente di programmi di reinserimento efficaci. Il sole a scacchi non si limita a raccontare i crimini dei briganti calabresi, ma propone una riflessione sul significato della pena, sulla sua funzione sociale e sulla necessità di ripensare il carcere come spazio di recupero e reintegrazione, e non come luogo di esclusione o di profitto economico. Autore: Lucia De Cicco Editore: ArtonWorld Nota esperto: Francesco Caravetta Per informazioni: [info@artonworld.com](mailto:info@artonworld.com) | [www.artonworld.com](http://www.artonworld.com)

L’evoluzione del Marketing

L’evoluzione del Marketing Emilio Corteselli tra teoria, analisi dei mercati e strategie per il futuroArtonworld Green Luxury Edition presenta L’evoluzione del Marketing, il nuovo volumefirmato da Emilio Corteselli, un’opera di 260 pagine che offre una visione approfondita,attuale e critica delle dinamiche del marketing contemporaneo.Il libro si distingue per l’ampiezza e la solidità delle analisi, che affondano le radici nelleprincipali teorie del marketing internazionale, a partire dal pensiero di Philip Kotler, per poievolversi verso una lettura moderna e consapevole dei mercati globali. Corteselliaccompagna il lettore in un percorso che intreccia teoria e pratica, analizzando icambiamenti economici, sociali e culturali che influenzano le strategie di comunicazione eposizionamento dei brand.Un’attenzione particolare è riservata allo studio di grandi brand italiani e internazionali,presi come casi emblematici di successo, trasformazione e resilienza. Il volume è arricchitoda grafici e dati analitici che illustrano con chiarezza l’evoluzione del mercato in diversesituazioni economiche e culturali, rendendo il testo uno strumento utile sia in ambitoaccademico sia professionale.Edito da Artonworld Green Luxury Edition, L’evoluzione del Marketing è disponibile inversione digitale, acquistabile online attraverso la piattaforma ArtonWorld, e in versionecartacea, ordinabile direttamente dalla casa editrice.Informazioni di acquisto

Intervista al marchese Roberto Bilotti Ruggi d’Aragona: Rotella ventennale scomparsa tra Cosenza e Rende

Intervista al marchese Roberto Bilotti Ruggi d’Aragona: Rotella ventennale scomparsa tra Cosenza e Rende Intervista a cura del Direttore Responsabile Carmela Brunetti  “Marchese Roberto Bilotti Ruggi d’Aragona, cosa significa per lei ricordare Mimmo Rotella a vent’anni dalla sua scomparsa e come la Calabria lo celebra oggi?” Marchese Roberto Bilotti Ruggi d’Aragona: Il 2026 segna una tappa importante nella storia dell’arte moderna e contemporanea: il “ventennale dalla scomparsa di Mimmo Rotella”, uno dei protagonisti più influenti dell’avanguardia europea e figura chiave del Novecento. In tutto il mondo istituzioni e studiosi riscoprono la sua eredità, ma è soprattutto la Calabria—sua terra natale—a rendere oggi il tributo più profondo e sentito. Al centro di questa celebrazione c’è la mia esperienza personale. Cosenza e Rende conservano opere fondamentali che documentano le fasi centrali della sua ricerca artistica nelle diverse declinazioni di “scultura, pittura, disegno, fotografia e décollage”. Al MAB (Museo all’Aperto) di Cosenza,  “Il lupo della Sila” è divenuto un’icona. Il modellino in legno che ho donato a Rende è oggi esposto nella “Sala Rotella del Museo del Presente”. Quando Mimmo sceglieva il marmo, cercava il colore del sottobosco—mi diceva—un verde profondo, come quello della vegetazione arbustiva del bosco. A Cosenza si trova anche la scultura in bronzo “La rinascita della cultura”: una catasta disordinata di libri che, alleggerendosi, sembra prendere il volo. L’opera richiama la “Cosenza umanista e rinascimentale”, terra di filologi, filosofi e studiosi dei classici, da “Parrasio e Quattromani” fino a “Bernardino Telesio”, la cui dottrina influenzò Bruno, Cartesio, Campanella e Bacon. Alla “Galleria Nazionale di Palazzo Arnone”, nella sala del Novecento, ho donato un’altra scultura in bronzo di Rotella. Rotella trascorreva tutte le sue vacanze estive a “Sangineto”, nostro ospite. Nel pomeriggio disegnava ciò che lo circondava—case, piante, il treno—e realizzava il ritratto di ciascuno di noi. Erano creazioni spontanee, espressione del suo amore per la Calabria e del piacere di trascorrere lì il tempo. Per questo, nel 2013, ho deciso che queste opere dovessero rimanere sul territorio e le ho donate al “Comune di Rende”, insieme a un grande “dittico décollage storico”. In quest’opera Rotella mette in discussione la natura stessa dell’immagine, strappandola e ricomponendola, restituendo dignità artistica a un poster seriale e liberando nuove energie cromatiche. Nella “Sala Rotella” sono conservate anche fotografie a lui particolarmente care: dall’infanzia a Catanzaro ai primi approcci con l’arte fino alle successive performance. Non sono solo opere d’arte, ma frammenti dell’identità e della memoria della Calabria, una sorta di autobiografia visiva che racconta anni ricchi di sperimentazione. La sera, davanti alla piscina, invitavamo amici e Mimmo declamava i suoi **Poemi Fonetici**: comunicazioni emotive e visive attraverso il suono, una forma di “poesia epistaltica” fatta di rumori, parole e suoni astratti. Ogni anno visitavamo il “Santuario di Paola”, condividendo una sincera devozione e lasciandoci affascinare da un luogo sospeso tra sacro e leggenda, mistero e misticismo. Una volta, dopo una di queste visite, acquistò una grande tela e nel giardino dipinse “San Francesco di Paola” come una pop “star”. L’opera fu esposta a “Palazzo dei Bruzi nel 2012”, in occasione del 50° anniversario della proclamazione di San Francesco come patrono della Calabria. Carmela Brunetti: Ricordare Mimmo Rotella oggi significa restituire non solo un’immagine di artista, ma anche di uomo profondamente radicato nella sua terra. A vent’anni dalla sua scomparsa, la Calabria non si limita a commemorarlo: lo custodisce, lo celebra e ne rilancia l’eredità. Da Cosenza a Rende fino a Catanzaro, Rotella continua a parlare attraverso le sue opere, le sue sperimentazioni e le sue visioni, confermandosi non solo come grande maestro del Novecento, ma come “forza culturale viva attraverso la quale un territorio ritrova la propria identità e proietta se stesso nel futuro”. Molte le attività che saranno svolte a Cosenza grazie alla volontà dei sindaci Franz Caruso e a Rende Sandro Principe. Rotella a Sangineto dipinge San Francesco di Paola Interview with Roberto Bilotti: Remembering Mimmo Rotella, Twenty Years On, Between Cosenza and Rende Interview by Editor-in-Chief Carmela Brunetti Carmela Brunetti: Mr. Roberto Bilotti, what does it mean for you to remember Mimmo Rotella twenty years after his passing, and how is Calabria commemorating him today? Roberto Bilotti: The year 2026 marks a significant milestone in the history of modern and contemporary art: the twentieth anniversary of Mimmo Rotella’s passing, one of the most influential figures in the European avant-garde and a key protagonist of the 20th century. Around the world, institutions and scholars are rediscovering his legacy, but it is above all Calabria—his homeland—that is offering the deepest and most heartfelt tribute. At the heart of this celebration lies my personal experience. Cosenza and Rende hold fundamental works that document the key phases of his artistic research, spanning sculpture, painting, drawing, photography, and décollage. At the MAB (Open-Air Museum) in Cosenza, The Wolf of the Sila has become an icon. The wooden model I donated to Rende is now exhibited in the Rotella Room of the Museum of the Present. When Mimmo chose marble, he sought the color of the underbrush—he would tell me—a deep green, like the dense vegetation of the forest. Also in Cosenza stands the bronze sculpture The Rebirth of Culture: a chaotic pile of books that, as it lightens, seems to take flight. The work recalls the humanist and Renaissance Cosenza, land of philologists, philosophers, and scholars of the classics—from Parrasio and Quattromani to Bernardino Telesio, whose thought influenced Bruno, Descartes, Campanella, and Bacon. At the National Gallery of Palazzo Arnone, in the 20th-century art room, I donated another bronze sculpture by Rotella. Mimmo spent all his summer holidays in Sangineto, as our guest. In the afternoons, he would sketch what surrounded him—houses, plants, the train—and draw portraits of each of us. These were spontaneous creations, expressions of his affection for Calabria and his joy in spending time there. For this reason, in 2013, I decided these works should remain in the region and donated them to the Municipality of Rende, along with a large historic décollage diptych. In this piece, Rotella challenges the very

Claudio Pagliara alla direzione dell’Istituto di Cultura Italiana a New York, nuove attività per il 2026 fra storia, arte e cultura e tanto altro.

Claudio Pagliara alla direzione dell’Istituto di Cultura Italiana a New York, nuove attività per il 2026 fra storia, arte e cultura e tanto altro. A cura di Francesca Manari In che modo l’istituto di cui lei è ora a capo si rapporta con il contesto americano e il suo modo di vivere l’arte? crede sia diverso rispetto a quello italiano? Radicalmente è diverso, per una semplice ragione strutturale: gli Stati Uniti non hanno un dipartimento della cultura. II 99% dei bilanci delle istituzioni culturali qui sono fatti dai fondi privati.Nell’offerta culturale questo ha implicazioni perché: da una parte abbiamo la sfera pubblica, che ha bisogno di un consenso garantito, per cui tenderà a sperimentare di meno. Dall’altra parte la sfera privata ci tiene a legare il proprio nome a un qualcosa di grandioso.E sull’offerta culturale quest’ultima secondo me finisce per premiare, più di quello europeo, le eccellenze. Proprio perché, disponendo di ampie risorse economiche, è più incline al rischio. Lei ha lavorato per anni in contesti culturali e artistici internazionali. dopo secoli in cui l’Italia è stata protagonista nel processo di diffusione dell’arte e cultura nel mondo, crede che le cose siano cambiate? siamo forse in un momento in cui abbiamo bisogno di attingere dall’esterno? dall’America per esempio? lo sono profondamente convinto che l’Italia, in particolare le sue radici, rappresentino la linfa vitale dellacreatività che oggi ancora regna all’interno del nostro paese.Siamo molto fortunati: l’Italia detiene il più ampio “patrimonio dell’umanità” sancito dall’UNESCO come tale. È indubbio che essa continui ad essere un paese di grande creatività.Sarebbe opportuno evitare un rischio: quella della auto-referenzialità. È importante coltivare scambi reciproci con paesi diversi dal nostro. Lei è felice qui? percepisce questa forte cultura del lavoro o crede che ci sia la possibilità di sviluppare una felicità personale? Ammetto di aver avuto modo di sfatare questo grande “mito del lavoro” in più di un’occasione. Nel mioprecedente ruolo da corrispondente, ho condiviso lo spazio di lavoro con alcuni partner americani. Se noi della Rai lavoravamo anche nei weekend, ai miei colleghi statunitensi cadeva la penna allo scoccare delle 17. È vero che qui si lavora tanto, ma in maniera diversa, più concentrata. Di fronte al nostro motto italiano “andiamoci a prendere un caffè”, qui c’è un etica del lavoro decisamente più organizzata, anche se solo su quelle ore contrattuali. Cambiamo per un attimo argomento, passiamo al suo libro “l’imperatore. Donald Trump, l’alba di una nuova era”. ho trovato curioso l’accostare il nome del presidente alla parola imperatore. le chiedo: ha mai valutato parallelismi storici con imperatori passati che la rimandassero all’epoca attuale? Chiaramente il titolo ha sempre una esagerazione editoriale per ovvie ragioni. Ma c’è da dire che lo stessoPresidente ha spesso diffuso immagini di se con la corona indosso.Se ci pensiamo in fondo, l’America ha sempre avuto una visione imperiale di se stessa: è comunque un paese che ha dei valori di libertà, di democrazia, universali, meritevoli di diffusione.Il mio non è un libro che si schiera da una parte o dall’altra, al contrario mira a spiegare da dove viene ilFenomeno Trump.Senz’altro ammetto che fa piacere vedere un inquilino alla casa bianca che invece di mandare troupe in Iraq o Afghanistan, vuole che le armi cessino di crepitare a Gaza e Ucraina. Ha in programma iniziative nel 2026 che le va di anticiparci? Il prossimo anno la democrazia americana compirà 250 anni e la nostra partecipazione è imperativa. Metteremo in luce il contributo anche di idee, che l’Italia ha dato a questo paese: impossibile non citare figure come l’avvocato Filippo Mazzei, amico di Jefferson, il quale contribuì a scrivere l’emendamento più importante della costituzione americana, quello che sancisce le libertà fondamentale tra i cittadini. Inoltre, qui, a due passi dalla sede, troviamo il famoso Metropolitano Museum of Art, che organizzerà la più grande mostra su Raffaello mai creata prima, e noi in quanto istituto, collaboreremo con grande entusiasmo, attraverso convegni e incontri di dibattito.Non mancheremo insomma con tantissime altre iniziative tutte finalizzate a celebrare l’amicizia fra Italia e Stati Uniti, secondo me ancora oggi di fortissima potenzialità.

Interview with art historian and critic Gabriele Romeo, curated by director Carmelita Brunetti

Intervista allo storico dell’arte e critico Gabriele Romeo a cura della direttrice Carmelita Brunetti Lo storico e critico d’arte Gabriele Romeo, il 30 aprile 2025, è stato insignito dal Ministero della Cultura della Repubblica Francese del titolo di Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, con fregio autorizzato dal MAECI ai sensi dell’art. 7 della Legge n. 178 del 3 marzo 1951. La ministra della Cultura, Rachida Dati, ha sottolineato il suo impegno nel servizio alla cultura, nella sua diffusione e nella sua promozione. In questa intervista ci parlerà di alcuni dei suoi progetti, sia a livello nazionale sia internazionale. Può raccontarci il suo approccio didattico come titolare della cattedra di Fenomenologia delle Arti Contemporanee presso l’Accademia Albertina di Belle Arti di Torino? E, allo stesso tempo, come declina questo metodo nell’insegnamento di Fenomenologia degli Stili per il Biennio PAI in Fashion Design e nei corsi di Letteratura e illustrazione per l’infanzia rivolti alle Scuole di Grafica e di Didattica dell’Arte? Tra il 2017 e il 2018 avviai una ricerca che culminò nella mia prima pubblicazione, edita da Skira e intitolata Dallo stile alla neutralizzazione, dedicata a una fenomenologia applicata alle arti visive. Si tratta di un volume bilingue, concepito come un piccolo abbecedario da me scritto e illustrato, nel quale ho scelto di analizzare anche visivamente — attraverso l’uso del disegno — numerose comparazioni tra artisti moderni e contemporanei. Ho costruito confronti visivi capaci di mettere in relazione “l’arte prossima” e “l’arte lontana”: da Paolo Uccello a Marino Marini, da KAWS a Damien Hirst, da Ai Weiwei, Vito Acconci a molti altri protagonisti dell’arte contemporanea internazionale. Ancora oggi, attraverso quella che definisco la “traccia grafica del disegno”, elaboro casi studio che mi permettono di approfondire aspetti che la sola parola non riesce a restituire nell’immediatezza o nella loro piena complessità. Lavorare a questa pubblicazione — un impegno durato circa due anni — è stato per me particolarmente significativo, perché mi ha portato a coniugare analisi critica e dimostrazione visiva, ricreando un dialogo consapevole tra testo e immagine. Sono stato inoltre onorato di ricevere la prefazione di Mark Gisbourne, e di vedere il volume pubblicato in doppia edizione, italiana e inglese. Questo approccio, che intreccia osservazione critica ed esplorazione iconografica, informa in modo sostanziale anche la mia pratica didattica. Analizzare dal punto di vista semantico e sociale, ad esempio, le dinamiche della moda attraverso lo stile di Virgil Abloh con gli studenti del Biennio di Fashion Design — in riferimento anche alla recente mostra Codex al Grand Palais di Parigi — oppure approfondire le illustrazioni di Walter Crane per il corso di Letteratura e illustrazione dell’infanzia, sono esercizi che introduco in aula come strumenti concreti di ricerca. Questo metodo, deliberatamente eclettico e trasversale, mira a coinvolgere ogni studente nella sua individualità, stimolandone la curiosità e orientandolo verso un atteggiamento investigativo, attento e critico. Il 9 novembre, a proposito della sua partecipazione alla mostra curata da Stephen e Meredith Copland a Conzano, potrebbe raccontarci il suo caso studio “Hemorrhages of Pain”, presentato al MASA (Migration As Art Museum) su invito dei curatori, nell’ambito della rassegna “Patrimony / Heritage”, promossa sotto il patrocinio dell’Ambasciata Australiana in Italia? In “Hemorrhages of Pain” ho analizzato le opere di tre artisti contemporanei: Shirin Neshat, Malak Mattar e Anish Kapoor. Nonostante le differenze di origine, generazione e medium, questi artisti condividono una tensione interna comune: una resistenza poetica contro le strutture oppressive della società contemporanea. Shirin Neshat ritrae una donna velata che tiene in braccio un bambino, il cui corpo porta ferite ornamentali. Accosta queste immagini alla dichiarazione: “È tempo di chiamare ciò che sta accadendo alle ragazze e alle donne in Afghanistan e in Iran con il suo vero nome: apartheid di genere.” In questo caso, il dolore diventa un’estetica della resistenza e la donna velata un manifesto di soggettività privata. Malak Mattar, attraverso opere come un orsacchiotto impiccato, racconta il trauma invisibile di Gaza. L’oggetto simbolico diventa una sorta di architettura dell’assenza: assenza di empatia, di riconoscimento, di protezione. Le sue parole accompagnano l’immagine: “Il genocidio non era visibile. Quello che stava passando la mia famiglia non era riconosciuto…” Anish Kapoor, in collaborazione con Greenpeace, trasforma una piattaforma di gas nel Mare del Nord in un urlo visivo contro la crisi climatica. Il pigmento rosso scorre come una ferita aperta sul paesaggio industriale, esponendo la politica dell’indifferenza. Insieme, questi artisti rendono visibile l’invisibile, trasformando il dolore in materia simbolica e politica. Il mio studio si propone come una diagnosi lucida di un mondo che continua a sanguinare sotto strati di silenzio, interrogando lo spettatore sul ruolo dell’arte nel rappresentare sofferenza e resistenza. In che modo la sua nomina a Presidente di AICA Italia ha influenzato il panorama della critica d’arte contemporanea negli ultimi anni? Non considero compito del Presidente di AICA Italia quello di influenzare la critica d’arte contemporanea. Il mio, il ruolo di tutti i membri è piuttosto quello di essere un punto di ascolto, di confronto e di discussione tra gli operatori della critica che credono nel dialogo come forma costruttiva del presente. Da un lato c’è l’artista e dall’altro spesso si colloca il curatore o il mercante; in mezzo, il lavoro della critica — o del critico — consiste nell’esaminare le ragioni dell’atto artistico al di là del piacere, dell’estetica o degli aspetti tecnici. In questo senso, il compito dell’associazione è mantenere vivo e vigile il metro del giudizio e della ricerca sulle opere prodotte dagli artisti, sostenendo un dibattito serio e consapevole. Può raccontarci quali sono stati gli elementi distintivi e le scelte curatoriali che hanno caratterizzato la partecipazione ufficiale del Padiglione Bolivia alla 57ª Biennale di Venezia? L’edizione generale della 57ª Biennale Internazionale, curata da Christine Macel, si intitolava Viva l’Arte Viva, espressione entusiasta della posizione dell’artista contemporaneo. Partendo da questo concetto, ho ideato la mostra boliviana ponendo l’accento sull’atto artistico come forma di resistenza umanistica. L’arte diventa così un gesto che si oppone al condizionamento del potere, in particolare a quello economico, che rischia di comprimere l’espressione libera

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2025 Art Market Master Class

2025 Art Market Master Class We propose the following names for inclusion in the 2025 Art Market Master Class: StelarcMichelangelo PistolettoMaurizio CattelanJeff Koons Top Artist ClassGiancarlo CerriMauro ReggioRenato Li VigniAnnamaria GiugniFlorine OffergeltMaria Teresa AielloPaolo Cantù GentiliMaria ClementeLuiz CampoyVictor VergauwenIlham MahfouzFrancesca NobileSiddhant Kattri

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