Critical Review of Michael Hanna: Between Imagination and Visual Depth

Critical Review of Michael Hanna: Between Imagination and Visual Depth by Carmelita Brunetti The visual and conceptual work of artist Michael Hanna stands out for its rare ability to transform observation into poetry—and poetry into image. His creations—meditative assemblages and photographs taken at the Georgia Aquarium in Atlanta and the Tennessee Aquarium in Chattanooga—unfold as true inner journeys. They are far more than simple documents of aquatic life; they are visionary translations where matter, light, and words interact in a lyrical and conceptual unity. Each photograph is accompanied by verses that do not merely illustrate but evoke. Hanna doesn’t describe what he sees—he deciphers and reinvents it. Paraphrasing Jules Verne, one could say his images don’t just dive twenty thousand leagues under the sea—they plunge into twenty thousand emotions within the imagination. His underwater world—filtered through the curved glass walls of the aquariums—is a mental ecosystem, a synaptic landscape that stimulates the brain’s regions tied to wonder and empathy. Michael Hanna, Purpose – Assemblage The Power of Aquatic Imagination Choosing the underwater environment as his subject is anything but arbitrary. Water is the primordial element—the cradle of life and a reflection of the subconscious. Hanna captures jellyfish, sharks, stingrays, schools of fish, and the fluid dance of seaweed as if they were characters in a silent story. In this subaquatic realm, time slows down, and each detail—a fin, a glimmer, a shadow—gains symbolic weight. The assemblages that accompany or emerge from these photographs act like imaginary reliquaries: collections of materials, fragments, and thoughts that amplify the visual message. Hanna works with both natural and man-made elements, often found or salvaged, evoking the tension between the organic and the constructed, between the real and the dreamed. Michael Hanna, Wonders – Assemblage A Dialogue with Other Aquatic Artists Within the contemporary art landscape, Michael Hanna engages in a rich dialogue with other creators who have explored the aesthetics of the aquatic world. Think of David Doubilet’s underwater photography for National Geographic, celebrated for its scientific precision and natural beauty. Or Hiroshi Sugimoto, whose images of dioramas and seascapes are metaphysical reflections on time and perception. However, unlike these artists, Hanna doesn’t stop at documentary or formal exploration. His approach is deeply conceptual—almost synesthetic. His images don’t stand alone; they are infused with texts, literary references, and intuitions that take shape in artistic form. Hanna’s sea is one of the mind and spirit, more than the lens. This is where the true power of his work lies: in showing how art can still move us, surprise us, and—most of all—inspire thought. Photos of Solo Exhibit at The Colonnade: Performing Arts Theatre (Summer 2025) The Abyss Stares Back is a solo exhibit of 12 large assemblages on display at The Colonnade: Performing Arts Theatre in Ringgold, Georgia from June 16th – September 10th, 2025. The Colonnade is open Monday-Friday 8am-5pm and weekends by appointment.264 Catoosa CircleRinggold, Georgia 30736Solo Exhibition in New York at the Greenpoint Galleryfor information:thegreenpointgallery.com

Art Basel 16 – 22 June 2025. Discover the most striking installations at Art Basel 2025—from Katherina Grosse to Anika Yi, a journey through art and social critique.

Art Basel 16 – 22 June 2025. Discover the most striking installations at Art Basel 2025—from Katherina Grosse to Anika Yi, a journey through art and social critique. By Joas Nebe: Every year, Art Basel commissions an artist to design the fairground. This year, Katherina Grosse transformed the space and the facade of the exhibition building into a giant painting using her spray guns. In front of the facade, plastic sheets have been stretched, and the square has been laid with recyclable asphalt before the artwork was created. The white and magenta-colored sheets connect the building, the fountain in front of it, and the square, creating a sense of vibration. Hew Locke has a whole fleet of toy ships floating in the air at P.P.O.W. The lonely odyssey of the cunning warrior Odysseus and his few companions is transformed here into a flotilla of amusing toy ships hovering in the air. Fiona Banner plays with the different levels of human communication with “time, the anti-hero” at Frith Street Gallery. A mannequin arm is moved by a clockwork mechanism like the hands of a clock across a white wall, symbolizing the fleeting nature of time. Printed on the plastic limb is the word “Disarm,” which alludes both to the missing body parts and thus to transience, and also to the act of disarming. At the same time, the theme of transience, explored on two levels of meaning, is negated by the plastic arm itself, since a plastic limb cannot decay. Fiona Banner aka The Vanity Press, Time, the Anti-Hero, 2025 Peter Wüthrich presents at Galleria Christian Stein (Milan) a seemingly etymological collection of pierced butterflies in a glass frame. Upon closer inspection, the butterflies, made up of various colors and sizes, are composed of book covers. The accumulation of knowledge displaces nature. Knowledge is self-sufficient. Jordan Wolfson exhibits at Zwirner with “Untitled” the memento mori of a fatal traffic accident. In the lower half of the UV print, the overturned vehicle involved in the crash is visible. In the upper half, behind the multi-part mounted crosses, are the faces—not of the accident victims, but of dolls. Does the accident turn the dolls into zombies, making them threatening, or do the doll faces make the deadly event look like a child’s game? Anika Yi creates at Esther Schippers with “Misty Notions (2025),” made of synthetic fibers shaped like a jellyfish and glowing from within, the illusion of natural beauty that is completely artificial and thus fits perfectly into a post-apocalyptic world. Photo credit: courtesy of Art Basel, Joas Nebe Anicka Yi, Misty Notions, 2025, PMMA optical fiber, LEDs etc. Hew Locke, Odyssey, 2024

“Catalogo Imperfetto”: la mostra collettiva curata da Assunta Verrone tra spiritualità, poesia e impegno umano

È una mostra che tocca corde profonde quella curata da *Assunta Verrone, intitolata *“Catalogo Imperfetto”*, e che vede protagonisti diversi artisti contemporanei uniti da una comune tensione poetica e spirituale. La collettiva affronta temi complessi e attuali: le **vite non perfette delle donne che circondavano Gesù, l’alternarsi di tempi di pace e guerra, e la *necessità di scegliere tra il bene e il male, con riferimento alla figura simbolica dell’Arcangelo Michele, protettore dei passaggi epocali. Una mostra collettiva che invita alla riflessione Le opere esposte, firmate da diversi autori, dialogano tra loro in un allestimento che si presenta come un percorso visivo e simbolico tra fragilità umana e ricerca spirituale. La curatela di Assunta Verrone unisce in modo coerente sensibilità artistiche diverse, valorizzando ogni voce all’interno di una narrazione più ampia che interroga l’oggi. La mostra sorprende non solo per i *contenuti densi di significato, ma anche per il modo poetico con cui questi vengono trasportati nelle opere: una tensione tra *arte, spiritualità e attualità, che accompagna lo spettatore in una riflessione profonda sul presente e sulla condizione umana. Il Catalogo Imperfetto pubblicato da ArtonWorld A documentare il progetto è il *“Catalogo Imperfetto”, pubblicato da **ArtonWorld, rivista internazionale di arte e cultura contemporanea. Il catalogo è *interamente sfogliabile online al seguente link:CLICCA QUI PER SFOGLIARE IL VOLUME Un progetto editoriale che raccoglie testi critici, immagini delle opere e riflessioni degli artisti, offrendo un’estensione concettuale della mostra e contribuendo a renderla accessibile anche al pubblico digitale. Una collettiva che emoziona e fa pensare.Sotto la direzione curatoriale di Assunta Verrone, “Catalogo Imperfetto” si afferma come una mostra capace di fondere intimità poetica e visione universale, in un momento storico che chiede all’arte di interrogare e di illuminare. “Imperfect Catalogue”: the group exhibition curated by Assunta Verrone, exploring spirituality, poetry, and human engagement It is an exhibition that strikes deep emotional chords — “Imperfect Catalogue”, curated by Assunta Verrone, brings together contemporary artists united by a shared poetic and spiritual tension. The collective show addresses complex and timely themes: the imperfect lives of the women who surrounded Jesus, the ebb and flow of war and peace, and the need to choose between good and evil, with a symbolic reference to Archangel Michael, protector of transformative eras. A group exhibition that invites reflection The featured works, created by various artists, interact with one another in a display that unfolds as a symbolic and visual journey between human fragility and spiritual search. Assunta Verrone’s curatorial vision weaves together diverse artistic sensibilities, giving value to each voice within a broader narrative that questions the present. The exhibition stands out not only for its deeply meaningful content, but also for the poetic way in which these themes are conveyed: a tension between art, spirituality, and current events that leads the viewer into profound contemplation on the human condition and the world we live in. The Imperfect Catalogue published by ArtonWorld The project is documented in the “Imperfect Catalogue”, published by ArtonWorld, an international magazine of contemporary art and culture.The catalogue is fully available online at the following link:CLICK HERE TO BROWSE THE VOLUME This editorial project includes critical texts, images of the works, and reflections by the artists, offering a conceptual extension of the exhibition and making it accessible to digital audiences. A collective show that moves and inspires.Under the curatorial direction of Assunta Verrone, “Imperfect Catalogue” establishes itself as a powerful fusion of poetic intimacy and universal vision.

Venice Architecture Biennale 2025: Future Visions Between Innovation and Sustainability

La Biennale Architettura di Venezia 2025 si conferma come uno degli eventi culturali più attesi a livello internazionale, punto di riferimento imprescindibile per architetti, urbanisti, designer e appassionati di arte e innovazione. Giunta alla sua 19ª edizione, la Mostra Internazionale di Architettura, organizzata dalla *Biennale di Venezia, si svolge dal *24 maggio al 23 novembre 2025 ai Giardini, all’Arsenale e in vari luoghi della città lagunare. Tema 2025: “Spazi per un Mondo Nuovo” Il curatore dell’edizione 2025 ha scelto un tema fortemente contemporaneo: “Spazi per un Mondo Nuovo”, una riflessione sull’abitare il pianeta in un’epoca di trasformazioni climatiche, sociali e tecnologiche. L’obiettivo è indagare nuove soluzioni progettuali capaci di promuovere inclusività, rigenerazione urbana e resilienza ambientale. Un Percorso Internazionale tra Padiglioni e Progetti Innovativi La Biennale Architettura 2025 ospita *oltre 60 partecipazioni nazionali, con padiglioni dedicati a Stati Uniti, Giappone, Germania, Francia, Brasile e naturalmente Italia. A questi si aggiungono **installazioni speciali, *ricerche accademiche e interventi di architetti affermati ed emergenti che trasformano Venezia in un laboratorio sperimentale a cielo aperto. Italia Protagonista: il Padiglione Italiano Il *Padiglione Italia, promosso dal Ministero della Cultura, presenta una mostra incentrata sul rapporto tra *architettura, paesaggio e comunità locali. Il progetto selezionato propone modelli innovativi di coabitazione sostenibile e strategie concrete per la valorizzazione dei territori meno urbanizzati. Novità Editoriale: ArtonWorld Racconta la Biennale Nel nuovo numero della rivista *ArtonWorld, troverete un *testo esclusivo del critico d’arte Enrico Gusella, che offre uno sguardo critico e approfondito sui linguaggi dell’architettura contemporanea e sul significato culturale della Biennale 2025. Un contributo imperdibile per comprendere il valore simbolico e progettuale dell’evento. Perché Visitare la Biennale Architettura Venezia Informazioni Utili Conclusione: Un’Architettura che Parla al Futuro La Biennale Architettura di Venezia 2025 è una piattaforma globale che invita a ripensare il nostro rapporto con lo spazio e con l’ambiente. Un’occasione unica per riflettere, confrontarsi e costruire visioni condivise per un futuro più equo, sostenibile LEGGI L’ARTICOLO DI ENRICO GUSELLA The Venice Architecture Biennale 2025 stands as one of the most prestigious international cultural events — a global hub for architects, urbanists, designers, and art professionals. Now in its 19th edition, the International Architecture Exhibition, organized by *La Biennale di Venezia, will run from **May 24 to November 23, 2025, at the *Giardini, Arsenale, and various locations across Venice. 2025 Theme: “Spaces for a New World” This year’s central theme, “Spaces for a New World,” explores how architecture can respond to the environmental, social, and technological challenges of our time. The exhibition aims to showcase projects that promote inclusion, sustainability, and resilience through design. A Global Showcase of Pavilions and New Architectural Thinking With *over 60 participating countries, including the USA, Japan, Germany, France, Brazil, and Italy, the Biennale offers an unparalleled journey through *innovative installations, academic research, and experimental architecture that reimagines our shared future. Italy’s Voice: The Italian Pavilion The *Italian Pavilion, supported by the Ministry of Culture, focuses on architecture’s role in *community-building and environmental regeneration, especially in underrepresented rural and marginal areas. It presents forward-thinking models for sustainable living. Editorial News: ArtonWorld Highlights the Biennale In the latest issue of *ArtonWorld magazine, readers will find a *special article by art critic Enrico Gusella, offering an insightful analysis of contemporary architectural language and the cultural significance of the Biennale 2025. A must-read for anyone interested in critical perspectives on international design trends. Why You Should Visit the Venice Architecture Biennale The Venice Architecture Biennale 2025 is not just an exhibition — it’s a global dialogue on the future of design. Through powerful architectural narratives and forward-looking solutions, it challenges us to rethink how we live and build in harmony with our world. TO READ THE COMPLETE ARTICLE by ENRICO GUSELLA CLICK HERE

Interview on the Exhibition “Caravaggio 2025” with Thomas Clement Salomon, Director of the Gallerie Nazionali di Arte Antica at Palazzo Barberini in Rome

Qual è stato l’aspetto più impegnativo nel curare un’esposizione così significativa su Caravaggio, soprattutto con l’inclusione di opere rare o meno conosciute?Curare una mostra di questa portata ha richiesto un attento equilibrio tra rigore scientifico, logistica e innovazione nell’allestimento. Una delle sfide più complesse è stata senza dubbio il processo di prestito di venti dipinti autografi provenienti da tutto il mondo, sono le Star di questi importanti musei, così straordinari da creare lunghe trattative con musei, perchè le opere hanno costi di assicurazione altissimi per l’estradizione, si pensi all’opera ” I Musici” provenienti da New York dal Metropolitan Museum, ” “Hecce Homo” dal Museo del Prado di Madrid; oltre a un’accurata valutazione dello stato di conservazione di ciascun pezzo.L’esposizione riunisce molte opere iconiche e alcune recentemente scoperte di Caravaggio. Cosa spera che i visitatori portino con sé dall’esperienza, in particolare per quanto riguarda la comprensione dell’influenza di Caravaggio sull’arte e sulla società?L’obiettivo principale è offrire ai visitatori un’immersione profonda nell’universo di Caravaggio, non solo come artista ma come figura rivoluzionaria che ha segnato in modo indelebile la storia dell’arte.Questa mostra è una grande opportunità per il pubblico perchè possono vedere il Ritratto di Maffeo Barberini a oltre sessant’anni dalla sua riscoperta e ora per la prima volta è affiancato ad altri dipinti di Caravaggio come la Santa Caterina del Museo Thyssen- Bornemisza di MAdrid, capolavoro della collezione Barberini, Marta e MAddalena del Detroit Institute of Arts; vi sono le opere legate alla storia del collezionismo dei Barberini, come “I Bari” del Kimbell Art Museum di Fort Worth. Chiude la selezione di questo importante prestito “Il Martirio di Sant’Orsola”, ultimo dipinto del Merisi, realizzato poco prima della sua morte nel 1610 a Porto Sant’Ercole.La relazione di Caravaggio con i suoi committenti e con la famiglia Barberini è centrale nell’esposizione. In che modo questa connessione arricchisce la nostra comprensione della sua arte e della sua vita durante questo periodo?I Barberini hanno giocato un ruolo chiave nella vita di Caravaggio, rappresentando sia una fonte di protezione sia un’importante committenza per il pittore. Attraverso i documenti storici e le opere in mostra, vogliamo mettere in luce l’intricata rete di rapporti tra Caravaggio e le figure di potere dell’epoca. La relazione con i Barberini mostra anche come la sua arte fosse tanto apprezzata quanto controversa: la sua capacità di reinterpretare i temi sacri con un realismo crudo e coinvolgente era rivoluzionaria, ma al tempo stesso suscitava reazioni contrastanti tra i suoi committenti. Nei quadri c’è la sua vita, e grazie alla possibilità di vedere riunite tutte queste sue opere si apprezza l’evoluzione stilistica fino alla sua ultima opera.Com’è stata la relazione fra Palazzo Barberini e la Galleria Borghese per la realizzazione di questa grande mostra, considerando che Francesca Cappelletti è una esperta di Caravaggio e direttrice della Galleria Borghese?La collaborazione tra Palazzo Barberini e la Galleria Borghese è stata fondamentale per la realizzazione di Caravaggio 2025. Francesca Cappelletti, con la sua profonda conoscenza dell’artista e del suo contesto, ha contribuito in maniera determinante alla costruzione del percorso espositivo e alla selezione delle opere. La Galleria Borghese custodisce alcuni dei capolavori più celebri di Caravaggio, e il dialogo tra le due istituzioni ha permesso di valorizzare al meglio la loro presenza in mostra. Questo progetto rappresenta un esempio virtuoso di sinergia tra musei, che ha permesso non solo di offrire al pubblico una visione più completa dell’opera di Caravaggio, ma anche di rafforzare la collaborazione tra le grandi istituzioni culturali italiane ed estere. ENGLISH VERSION What has been the most challenging aspect of curating such a significant exhibition on Caravaggio, especially with the inclusion of rare or lesser-known works?Curating an exhibition of this magnitude required a delicate balance between scholarly rigor, logistics, and innovative display techniques. One of the most complex challenges was undoubtedly securing the loans of twenty autograph paintings from around the world. These works are the stars of their respective museums, making negotiations lengthy, as institutions are understandably reluctant to part with them. Additionally, the high insurance costs associated with their transport added another layer of complexity. Consider, for instance, The Musicians from the Metropolitan Museum of Art in New York or Ecce Homo from the Prado Museum in Madrid. Another crucial aspect was the meticulous assessment of each piece’s condition to ensure its preservation during the exhibition.The exhibition brings together many iconic works as well as some recently discovered pieces by Caravaggio. What do you hope visitors will take away from this experience, particularly regarding Caravaggio’s influence on art and society?The main goal is to offer visitors an immersive journey into Caravaggio’s world—not only as an artist but as a revolutionary figure who left an indelible mark on art history. This exhibition presents a unique opportunity for the public to see the Portrait of Maffeo Barberini, which has not been displayed in over sixty years since its rediscovery. For the first time, it is presented alongside other Caravaggio masterpieces such as Saint Catherine from the Thyssen-Bornemisza Museum in Madrid, a cornerstone of the Barberini collection, Martha and Mary Magdalene from the Detroit Institute of Arts, and works linked to the Barberini family’s history as collectors, including The Cardsharps from the Kimbell Art Museum in Fort Worth. The exhibition culminates with The Martyrdom of Saint Ursula, the last painting Caravaggio created before his death in 1610 in Porto Ercole.Caravaggio’s relationship with his patrons and the Barberini family is central to the exhibition. How does this connection deepen our understanding of his art and life during that period?The Barberini family played a crucial role in Caravaggio’s life, providing both protection and significant commissions. Through historical documents and the works on display, we aim to shed light on the intricate web of relationships between Caravaggio and the powerful figures of his time. His connection with the Barberini family also highlights how his art was both highly valued and deeply controversial. His ability to reinterpret sacred themes with raw, compelling realism was groundbreaking, yet it often provoked mixed reactions from his patrons. His paintings are

Aleida Guevara: A Legacy of Thought and Humanity. Interview with Aleida Guevara

Bologna ospita una mostra speciale dedicata a Ernesto Che Guevara, un’occasione per esplorare la sua eredità ideologica e culturale oltre la figura storica. Sua figlia, Aleida Guevara, sarà presente all’evento, offrendo una prospettiva personale e approfondita sulla visione del padre. In questa intervista, parliamo della rilevanza attuale dei suoi ideali, del ruolo della cultura nella diffusione del suo messaggio e del significato di portare questa mostra a Bologna.La mostra di Bologna approfondisce il pensiero e l’eredità di Ernesto Che Guevara. Quale ritiene sia il valore più importante della sua visione del mondo nella società contemporanea?Prima di tutto, ha dimostrato con la sua vita il concetto di internazionalismo. Ha sempre parlato della necessaria unità tra i popoli per poter sconfiggere il nemico comune: l’imperialismo.Lo scrittore Eduardo Galeano ha espresso bene questo concetto nella sua poesia El más nacedor:“Più lo insultano, lo manipolano, lo tradiscono, più lui rinasce. È colui che rinasce di più. Non sarà perché il Che diceva ciò che pensava e faceva ciò che diceva?”Che Guevara ha sempre avuto una profonda idea dell’essere umano, della sua dignità e del suo potenziale. Come crede che la sua filosofia continui a ispirare le persone oggi?L’esempio di Che Guevara è fonte di ispirazione, soprattutto per le nuove generazioni, ma è necessario studiare più a fondo i suoi scritti. Quando li leggiamo, possiamo sentirne la presenza per la loro attualità. Una volta disse che la vita di un essere umano valeva molte volte di più di tutte le ricchezze dell’uomo più facoltoso del mondo. Il rispetto reciproco è fondamentale per poter vivere in pace.Durante tutta la sua vita, suo padre ha cercato di unire pensiero e azione, teoria e pratica. In che modo ritiene che la sua visione possa essere interpretata dalle nuove generazioni?Credo che la risposta sia nelle parole di Galeano, quando diceva che è raro trovare una tale integrità in un essere umano e ancor più in un leader. O quando lo stesso Che parlava della necessità dell’esempio personale per indicare una strada e del principio secondo cui non si può chiedere a qualcun altro di fare qualcosa se non si è disposti a farlo per primi.Dire sempre la verità, interrogarsi su tutto ciò che non si comprende e dichiarare guerra al formalismo. Personalmente, credo che il Che possa essere uno strumento per affrontare la vita e sentirsi completi come esseri umani.L’arte, la letteratura e la cultura in generale hanno avuto un ruolo importante nella sua formazione intellettuale. Quanto è importante oggi la cultura nella conservazione e nella trasmissione del suo messaggio?Cos’è la cultura? Sono le nostre radici, la nostra identità, il nostro modo di vedere la vita e di agire di conseguenza. La cultura è parte essenziale della nostra esistenza, e aspiriamo affinché il Che diventi uno strumento per quella vita, una parte della cultura universale.Avrete sicuramente sentito poesie e canzoni a lui dedicate, e tutte trasmettono qualcosa della sua vita. Quante opere d’arte abbiamo visto? Quanti monumenti? E se un bambino o un giovane si chiede “Chi è quest’uomo?” e impara qualcosa sulla sua vita, allora stiamo facendo progressi.Bologna ha una lunga tradizione di conoscenza, apprendimento e scambio culturale. Cosa significa per lei portare questa mostra in questa città?È una grande opportunità affinché migliaia di giovani possano entrare in contatto con la vita e l’opera di quest’uomo. Se, dopo aver visto la mostra, vorranno saperne di più su di lui e approfondire la loro conoscenza, allora saremo felici e avremo raggiunto l’obiettivo principale dell’esposizione: permettere al Che, all’uomo, attraverso la sua vita e il suo operato, di toccare altre persone. Come disse un patriota cubano: “Anche dopo la morte, possiamo essere utili.” ENGLISH VERSION Bologna is set to host a special exhibition dedicated to Ernesto Che Guevara, an opportunity to explore his ideological and cultural legacy beyond the historical figure. His daughter, Aleida Guevara, will be present at the event, offering a personal and in-depth perspective on her father’s vision. In this interview, we discuss the relevance of his ideals today, the role of culture in preserving his message, and what it means to bring this exhibition to Bologna.The exhibition in Bologna delves into the thought and legacy of Ernesto Che Guevara. What do you think is the most important value of his worldview in contemporary society?First and foremost, he demonstrated the concept of internationalism with his life. He always spoke of the necessary unity among peoples in order to defeat the common enemy: imperialism.The writer Eduardo Galeano captured this idea perfectly in his poem El más nacedor:“The more they insult him, manipulate him, betray him, the more he is reborn. He is the most reborn of all. Could it be because Che said what he thought, and did what he said?”Che Guevara always had a profound understanding of human dignity and potential. How do you think his philosophy continues to inspire people today?Che Guevara’s example is inspiring, especially for younger generations, but his writings must be studied in greater depth. When we read them, we can feel his presence because of their ongoing relevance. He once said that the life of a human being was worth many times more than all the wealth of the richest man in the world. Respect among all people is essential in order to live in peace.Throughout his life, your father sought to unite thought and action, theory and practice. How do you think his vision can be interpreted by new generations?I believe Galeano’s words hold the answer—when he said that it is rare to find such integrity in a human being, and even rarer in a leader. Or when Che himself spoke about the necessity of leading by example, never asking others to do something you are not willing to do yourself.Always tell the truth, question everything you do not understand, and wage war against formalism. Personally, I believe that Che can be a tool for facing life and for feeling whole as a human being.Art, literature, and culture played a significant role in his intellectual formation. How important is culture

Digital Cosmati – Arte Medievale e Innovazione Tecnologica

Organizzata dal Laboratorio di Modellistica e Scienze Cognitive del Dipartimento di Fisica, Unical Calabria Inaugurazione: 03 marzo ore 12 Periodo espositivo Dal 03 marzo al 23 marzo 2025 Dal 3 Marzo al 23 marzo 2025, gli SPAZI ESPOSITIVI DELLA PROVINCIA DI COSENZAospiteranno la mostra “Digital Cosmati”, un’esplorazione degli antichi pavimenti Cosmateschi che unisce arte, tecnologia e scienza in un’innovativa interpretazione visiva e tecnologica. L’esposizione, pratrocinata dalla Provincia e dal Comune di Cosenza, celebra la straordinaria tradizione artistica dei Cosmati, maestri medievali che hanno trasformato il mosaico greco-romano in un linguaggio di simbolismo, geometria e bellezza senza tempo. La mostra intreccia arte, architettura e tecnologia, mostrando come i principi matematici e l’estetica dei Cosmati continuino a influenzare l’arte il design contemporaneo e la nostra percezione della bellezza. Il progetto nasce da una lunga storia di ricerca fra arte e scienza dei Professori Eleonora Bilotta e Pietro Pantano nel Laboratorio di Modellazione Matematica e Scienze Cognitive (LMSC) del Dipartimento di Fisica dell’Università della Calabria. Uno dei primi risultati sui mosaici cosmateschi è il volume “Digital Cosmati: Dialoghi tra Simbologia, Filosofia e Arte Contemporanea”, uscito aNovembre 2024,e pubblicato nella versione multimediale sfogliabile al seguente link https://www.flipsnack.com/artonworld/digital-cosmati/full-view.html e cartacea daArtonWorld Green Luxury Edition, edizione speciale della collana Le Perle del magazine internazionale ArtonWorld.com. Da qui l’idea di dar vita ad una mostra che funge da tributo alla scienza eoffre ai visitatori una straordinaria esperienza immersiva, regalando loro l’opportunità di esplorare il passato attraverso strumenti interattivi, giochi educativi e ambienti virtuali. Il progetto si propone come un’esperienza educativa moderna e accessibile a tutte le fasce d’età, unendo la tradizione storica e artistica a tecnologie innovative per una comprensione più profonda dell’eredità dei Cosmati. Al centro dell’esposizione, vi è un ambiente 3D – arricchito da un avatar connesso a una base di conoscenza di intelligenza artificiale e fruibile anche da smartphone – che consente ai visitatori di immergersi in un’esperienza multisensoriale e interattiva. La proposta è multisensoriale, multimediale, e si completa con la possibilità di sperimentare giochi educativi, sviluppati per approfondire il periodo storico dell’alto Medioevo e offrire agli studenti (e non solo) un viaggio didatticamente coinvolgente tra arte, storia e tecnologia. Un avatar guida il pubblico in quest’universo digitale, dove antiche geometrie e creatività contemporanea si incontrano, invitando a riflettere su come il patrimonio culturale possa diventare motore di conoscenza. Le opere di Bilotta e Pantano si basano su una rielaborazione digitale delle forme cosmatesche, creando un ponte significativo tra l’antico e il contemporaneo. La sperimentazione artistica di Eleonora Bilotta affiancata dallo studio scientifico e matematico di Pietro Pantano si sviluppa nell’uso di algoritmi generativi che permettono, se utilizzati molte volte un processo di frattalizzazione dei modelli Cosmateschi. Questo procedimento digitale si distingue per la capacità di generare immagini sempre nuove e irripetibili, che non possono mai essere replicate esattamente. Un approccio che esalta unicità e imprevedibilità, risvegliando l’immaginazione e la creatività di produzione, offrendo la possibilità di esplorare prospettive artistiche sempre nuove e di riscoprire il valore delle opere Cosmatesche. Quello che ne scaturisce è un viaggio interdisciplinare che unisce storia, arte, geometria e innovazione. Il digitale diventa uno strumento per un’inedita espressività creativa. Il progetto offre un binomio unico di esperienze fisiche e virtuali: una fisica, con opere tangibili, e una virtuale, che offrirà esperienze immersive attraverso l’utilizzo dell’intelligenza artificiale, con video e videogiochi, tutti ispirati alla storicità dei mosaici dei Cosmati. La sezione fisica è composta da 60 opere digitali dalle forme e cromie accattivanti ed ipnotiche, che interpretano l’iconografia dei Cosmati, realizzate da Eleonora Bilotta. Alcune immagini sono state stampate su texture diverse dalle tele come pannelli di alluminio di grande formato, si creano, così, nell’ambiente espositivo installazioni originali e coinvolgenti che interpretano i motivi Cosmati. I visitatori potranno ammirare in ambienti 3D dedicati i pavimenti, rivestimenti per interni di lusso, preziose stoffe che si trasformano in abiti originali, sciarpe, tappeti e oggetti per l’interior design unici nel loro genere, tutti questi oggetti sono ottenuti con la stessa tecnica e iconografia dei Cosmati. La sezione virtuale, invece, presenta un avatar collegato ad un sistema di intelligenza artificiale che guiderà il visitatore alla comprensione della mostra. L’esposizione permette altresì di esplorare con il supporto di contenuti multimediali e QrCode interattivi, e ricostruzioni virtuali storici come la bellissima Chiesa degli Ottimati di Reggio Calabria. L’esplorazione dell’ambiente virtuale farà ammirare la bellezza architettonica e artistica di questo luogo sconosciuto ai più, unico esempio di pavimento cosmatesco in Calabria. Si afferma così che questo progetto espositivo punta a valorizzare la cultura e l’arte del patrimonio calabrese. I video e i giochi didattici con le attività creative connesse stimolano il pensiero critico, l’orientamento spaziale e la cooperazione. Inoltre, grazie alla presenza di QR Code interattivi sparsi lungo il percorso espositivo, i visitatori potranno utilizzare i loro smartphone per accedere a spiegazioni audio e contenuti multimediali offerti da veri e propri Avatar, che approfondiscono la storia e i dettagli tecnici delle opere. Inoltre, l’esposizione stessa sarà virtualizzata, offrendo un tour interattivo accessibile durante e dopo la visita. La rassegna celebra anche l’arte attuale con la Digital Art: offre al pubblico un’opportunità per riflettere sul rapporto tra arte e scienza e di quanto sia importante l’attività di ricerca universitaria. Si desidera creare una rete multimediale nuova con collegamenti importanti fra università e territorio offrendo occasioni di sviluppo culturale, interdisciplinare, digitale e sostenibile. Presentata per la prima volta nelle prestigiose Sale Espositive della Provincia di Cosenza, la mostra si prepara ad essere ospitata in altre località della Calabria e a viaggiare in altre regioni italiane. Inoltre ha già suscitato interesse all’estero, grazie al catalogo digitale, con una richiesta per una sua esposizione negli USA e in Germania. INFORMAZIONI UTILI TITOLO MOSTRA: Digital Cosmati: Dialoghi tra Simbologia Filosofia e Arte Contemporanea Inaugurazione: 03 marzo 2025 ore 12 Dove: Le Sale Espositive della Provincia di Cosenza INGRESSO GRATUITO CONTATTI:Le Sale Espositive della Provincia di Cosenza via Corso Telesio 17 Resonsabile Sale: e- mail: rbenigno@provincia.cs.it SITO WEB: https://www.provincia.cs.it/portale/mam/ Contatti: Laboratorio Di Modellazine e Scienze Cognitive ​ Dipartimnto di Fisica, Unical Calabria

“Unpleasant Doubt or RidiculousCertainty? There Is No Attributive Monopoly on Artworks”

Nell’esercizio della mia professione mi è capitato di assistere a scontri frontali non solo tra componenti di uno stesso Archivio, Comitato o Fondazione («enti certificatori», di varia origine e composizione, i cui «responsi» sono tendenzialmente ritenuti autorevoli), ma anche tra le opinioni espresse dall’ente certificatore e le conclusioni, spesso di matrice rigorosamente scientifica, raggiunte da studi di diagnostica applicata all’arte o da grafologi esperti. Né sono mancate battaglie interne, tra enti certificatori afferenti all’opera di uno stesso artista. Occorre fare ordine.La perizia d’arte è un’analisi dell’opera d’arte compiuta da un esperto, più o meno riconosciuto, al fine di pervenire, con il miglior grado di approssimazione possibile, alla designazione di epoca, paternità e valore venale.Si distingua poi tra autenticazione (espressione di un parere tecnico circa la paternità) e accreditamento (attestazione di un parere tecnico o di altre circostanze esterne che possono indurre ad una attribuzione di paternità). La perizia che contempli anche la stima di un bene può definirsi estimativa, a differenza della valutazione che mira a stabilire autenticità e paternità del dipinto, propriamente detta expertise. L’expertise, che non ammette per legge posizioni attributive monopolistiche, le quali purtroppo si sono invece imposte nella prassi in modo e in misura aberranti, è una libera manifestazione del pensiero (espressione di una opinione) costituzionalmente tutelata (art. 21 Cost.).Il «conoscitore», soprattutto nel caso dell’arte antica, si vale del proprio occhio per assegnare l’opera ad un determinato autore, ma si ritiene oggi altresì molto rilevante l’indagine scientifica, con perizia grafologica sulla firma e vari esami diagnostici, ad esempio sui supporti e sui pigmenti. Infine, assai utile può rivelarsi la ricerca d’archivio e l’indagine a ritroso sulla “storia esterna dell’opera”.Sono tutte procedure d’indagine necessarie tanto agli operatori di mercato, quanto ai collezionisti e ai musei. Passiamo ora all’art. 64 del Codice dei beni culturali (d. lgs. n. 42/2004), a norma del quale «chiunque esercita l’attività di vendita al pubblico, di esposizione a fini di commercio o di intermediazione finalizzata alla vendita di opere di pittura, di scultura, di grafica ovvero di oggetti di antichità, o di interesse storico od archeologico […] ha l’obbligo di consegnare all’acquirente la documentazione attestante la autenticità o, almeno, la probabile attribuzione e la provenienza delle opere medesime; ovvero, in mancanza, di rilasciare […] una dichiarazione recante tutte le informazioni disponibili sull’autenticità o la probabile attribuzione e la provenienza. Tale dichiarazione, ove possibile in relazione alla natura dell’opera e dell’oggetto, è apposta su copia fotografica degli stessi». LEGGI L’ARTICOLO COMPLETO In my professional practice, I have witnessed direct confrontations not only among members of the same Archive, Committee, or Foundation (“certifying bodies” of various origins and compositions, whose “responses” are generally considered authoritative) but also between the opinions expressed by the certifying body and the conclusions, often strictly scientific, reached by studies in art diagnostic techniques or expert graphologists. There have also been internal battles among certifying bodies dealing with the works of the same artist. It’s time to bring some clarity.An art appraisal is an analysis of an artwork conducted by an expert—recognized to varying degrees—in order to determine, with the best possible approximation, the period, authorship, and market value.One must distinguish between authentication (an expert’s technical opinion on authorship) and accreditation (certification of a technical opinion or other external circumstances that may suggest an attribution). Appraisals that also include an estimation of the object’s value can be called estimative, in contrast to evaluations aimed at determining authenticity and authorship, properly referred to as expertise. Expertise, which by law does not allow monopolistic attributional positions—though such practices have unfortunately taken root in an aberrant way—is a constitutionally protected free expression of thought (Article 21 of the Italian Constitution).The “connoisseur,” especially in the case of ancient art, uses their trained eye to attribute the work to a specific artist. However, scientific investigation is now considered equally significant, including graphological analysis of signatures and various diagnostic tests, such as those on supports and pigments. Additionally, archival research and backtracking the “external history of the artwork” can prove extremely valuable.These investigative procedures are essential for market operators, collectors, and museums alike.Let us now examine Article 64 of the Code of Cultural Heritage (Legislative Decree No. 42/2004), which states that “anyone engaging in public sales, exhibitions for commercial purposes, or intermediation aimed at selling paintings, sculptures, graphic works, or objects of antiquity or of historical or archaeological interest […] is required to provide the buyer with documentation certifying the authenticity or, at least, the probable attribution and provenance of the items; or, if unavailable, to issue […] a declaration containing all available information regarding authenticity, probable attribution, and provenance. Where possible, in relation to the nature of the artwork or object, this declaration must be affixed to a photographic copy of the items.” TO READ THE COMPLETE ARTICLE CLICK HERE

MAB – Bilotti Open-Air Museum (MAB) : Roberto Bilotti Ruggi D’Aragona’s Commitment to preserving Carlo Bilotti’s Legacy

A Cosenza il Museo all’Aperto Bilotti (MAB) è un gioiello d’arte contemporanea a cielo aperto, rappresenta uno dei più prestigiosi percorsi artistici italiani, un tesoro d’arte contemporanea unico nel suo genere. Nato dalla visione e dalla generosità di Carlo Bilotti, celebre collezionista e mecenate di origini calabresi che ha vissuto a New York da Presidente Pierre Cardin e a Parigi da Presidente Nina Ricci. Il MAB è un regalo straordinario alla città di Cosenza e al suo territorio. Ricordo il giorno della sua inaugurazione. Un evento speciale per tutta la Calabria e per chi ama la cultura, ho pensato ai giovani alla possibilità di studiare le opere da vicino, che meraviglia!! Un pò di Storiaa cura di Roberto Bilotti Ruggi D’AragonaInaugurato il 1° settembre 2004 con un protocollo d’intesa tra il Comune e Carlo Bilotti, questo museo senza pareti trasforma il centro urbano di Cosenza in una galleria d’arte permanente lungo Corso Mazzini, oggi completamente pedonalizzato. Il percorso ospita circa 40 sculture di alcuni tra i più grandi artisti del XX secolo, creando un suggestivo dialogo tra arte, architettura e la vita quotidiana. Un’esperienza artistica – storica esclusivaIl MAB si distingue per il valore delle sculture contemporanee come il terzo museo italiano godibile all’aperto, dopo il Museo del Palazzo Reale di Milano e il Museo di Firenze. Passeggiare tra queste opere scultoree, immerse nella vita cittadina, è un privilegio raro che trasforma ogni visita in un viaggio nella bellezza e nella creatività. È un luogo dove l’arte respira insieme al territorio, rendendo l’esperienza dei visitatori non solo estetica, ma anche profondamente emozionale. Come ogni anno per i giorni della MEMORIA, in Italia si ricorda il 27 gennaio, desideriamo far onoscere al pubblico di tutto il mondo la testimonianza di Giulia Mafai nota costumista e scenografa italiana scomparsa nel 2021, figlia di due grandi artisti Mario Mafai e Antonietta Raphel, per conoscere e apprezzare l’opera “Le tre sorelle” esposta alla Biennale di Venezia 1948, quest’opera raffigura le figlie di Mafai inclusa Giulia che parla in un campo di concentramento, questa opera l’abbiamo donata a Cosenza sia per il campo di Ferramonti che per il Cafarone, ghetto di Cosenza; da questa scultura affermava Giulia Mafai è stato tratto un bronzo che abbiamo dato al museo ebraico di Roma. Altra opera straordinaria per bellezza e significato è la “Maternità”, la madre protegge la figlia come se volesse rimetterla nel grembo materno per farle da scudo con il proprio corpo, invece l’opera “Toro Morente” interpreta gli ebrei uccisi in campo di concentramento. Inseriamo in questa pubblicazione la testimonianza di Giulia Mafai, una delle tre sorelle scampate al campo di concentramento. Un progetto di coesione sociale e innovazione culturaleIl MAB è stato definito dal Presidente Unesco Gianni Puglisi come “un patrimonio culturale d’interesse pubblico avente valore di civiltà”, e nel 2019, con Decreto del Ministero per i Beni Culturali, è stato riconosciuto di interesse particolarmente importante, per il suo carattere artistico e il valore identitario che esprime.Le sculture esposte raccontano la straordinaria vitalità artistica del Novecento: dai futurismi di Giacomo Balla, ai richiami classici di Giorgio de Chirico, dal surrealismo di Salvador Dalì al rigore astratto di Pietro Consagra. Ogni opera testimonia la creatività, le tensioni e i sogni del “secolo breve”, un periodo che ha visto drammi profondi e altrettanti slanci di rinascita. LEGGI L’ARTICOLO COMPLETO In Cosenza, the Bilotti Open-Air Museum (MAB) is an open-air contemporary art jewel, representing one of the most prestigious Italian artistic paths, a unique contemporary art treasure. Born from the vision and generosity of Carlo Bilotti, a famous collector and patron of Calabrian origins who lived in New York as President Pierre Cardin and in Paris as President Nina Ricci. The MAB is an extraordinary gift to the city of Cosenza and its territory. I remember the day of its inauguration. A special event for all of Calabria and for those who love culture, I thought of the young people at the possibility of studying the works up close, how wonderful!! A bit of Historyby Roberto Bilotti Ruggi D’AragonaInaugurated on September 1, 2004 with a memorandum of understanding between the Municipality and Carlo Bilotti, this museum without walls transforms the urban center of Cosenza into a permanent art gallery along Corso Mazzini, today completely pedestrianized. The route hosts about 40 sculptures by some of the greatest artists of the 20th century, creating a suggestive dialogue between art, architecture and everyday life. An exclusive artistic – historical experienceThe MAB stands out for the value of contemporary sculptures as the third Italian museum that can be enjoyed outdoors, after the Museum of the Royal Palace in Milan and the Museum of Florence. Walking among these sculptural works, immersed in city life, is a rare privilege that transforms every visit into a journey into beauty and creativity. It is a place where art breathes together with the territory, making the visitor experience not only aesthetic, but also deeply emotional. As every year for the days of REMEMBRANCE, in Italy we remember January 27, we want to make known to the public around the world the testimony of Giulia Mafai, a well-known Italian costume designer and set designer who passed away in 2021, daughter of two great artists Mario Mafai and Antonietta Raphel, to know and appreciate the work “The three sisters” exhibited at the Venice Biennale 1948, this work depicts Mafai’s daughters including Giulia who speaks in the concentration camp, we donated this work to Cosenza both for the Ferramonti camp and for the Cafarone, ghetto of Cosenza; from this sculpture Giulia Mafai stated a bronze was made that we gave to the Jewish museum in Rome. Another extraordinary work for beauty and meaning is “Maternity”, the mother protects her daughter as if she wanted to put her back in the mother’s womb to shield her with her own body, instead the work “Dying Bull” interprets the Jews killed in the concentration camp. We include in this publication the testimony of Giulia Mafai, one of the three sisters who escaped

Consuelo Kanaga: Catch the Spirit

Consuelo Kanaga: “Catch the Spirit” presenta la prima retrospettiva sulla West Coast dedicata a questa figura centrale ma spesso trascurata nella storia della fotografia moderna. Artista attiva tra San Francisco e New York, Consuelo Kanaga è stata una delle prime donne a lavorare come fotoreporter per un importante quotidiano, il San Francisco Chronicle, negli anni ’10. Negli anni ’30, si è associata a collettivi fotografici influenti, tra cui il Group f.64 nella Bay Area e la Photo League a New York. Nel corso di sei decenni, Kanaga ha promosso il valore artistico della fotografia e documentato temi sociali urgenti, dalla povertà urbana ai diritti dei lavoratori, dal terrore razziale all’ingiustizia sociale. Il suo lavoro resta potente e attuale ancora oggi. LEGGI L’ARTICOLO COMPLETO Consuelo Kanaga: Catch the Spirit marks the first West Coast retrospective of this pivotal yet often overlooked figure in the history of modern photography. A bi-coastal artist based in both San Francisco and New York, Consuelo Kanaga was one of the first women to work as a photojournalist for a major daily newspaper, the San Francisco Chronicle, in the 1910s. In the 1930s, she became involved with several influential photographer collectives, including Group f.64 in the Bay Area and the Photo League in New York. Over six decades, Kanaga championed the artistic value of photography while documenting critical social issues, including urban poverty, workers’ rights, racial terror, and inequality. Her work remains as powerful and relevant today as it was during her lifetime. TO READ THE COMPLETE ARTICLE CLICK HERE

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